UN TÉMOIN DANS LA VILLE (Solo un testigo)

UN TÉMOIN DANS LA VILLE

(Solo un testigo) 1959 Dir.: EDOUARD MOLINARO

Un hombre traumatizado por el asesinato de su esposa, se aboca a la búsqueda del asesino, que resulta ser un amante de su mujer. En su pesquisa, encuentra y mata al sujeto, siendo su crimen presenciado por un taxista. En su afán de quedar impune, el protagonista se pone tras la pista de este eventual testigo. (FILMAFFINITY).

Esta película la vi en TVE cuando yo debía tener unos 13 o 14 años y me impactó muchísimo. Estuve intentando encontrarla cuando aparecieron los VHS, pero nada, ni rastro. Luego con los DVD me ha ocurrido lo mismo, sin embargo, gracias a la maravilla del internet, he conseguido recuperarla y verla de nuevo 40 años después. En algunas ocasiones recuperar películas que te han dejado un buen recuerdo cuando eras niño o adolescente es un mal asunto, pues el tiempo, suele ocurrir, juega en contra del film. En este caso concreto, el tiempo ha jugado absolutamente a favor, y me ha devuelto una cinta maravillosa, un “polar” en estado puro, en blanco y negro, sin concesiones, con una trama potente que va a más, y con un LINO VENTURA que puede con todo. 

Claro, cuando uno se pone a investigar sobre este “film noire” se encuentra que está basado en una novela de Pierre Boileau, cuyas historias han sido llevadas al cine prácticamente todas, incluyendo sus obras maestras: “LAS DIABOLICAS” y “VERTIGO” (si, si la de Hitchcock). 

Luego si nos detenemos ante un director tan “artesanal” (¡y cómo me gusta esta palabra aplicada al séptimo arte!) como Edouard Molinaro vemos que es un tipo todo terreno (y que empezó su andadura como actor) dejando tras de sí un reguero de obras imperecederas como: “OSCAR, UNA MALETA DOS MALETAS, TRES MALETAS”, “LA JAULA DE LAS LOCAS” (“VICIOS PEQUEÑOS” en España) o “EL EMBROLLON” (juro hablar de esta película próximamente). Pero es que además a sus 77 años aún estaba en activo realizando la serie policiaca: “NAVARRO”. 

SOLO UN TESTIGO, arranca ya enganchándote, y es que ante nosotros se perpetra un “crimen perfecto”… solo que el asesino, cree que hay un testigo… y ese testigo, la verdad, es que no tiene ni idea de que existe ni un crimen ni un criminal… pero la conciencia del culpable es el que acaba perdiéndole. No es un film moral, en absoluto, a pesar de lo que pudiera parecer, es una historia que podría haber escrito Simenon, es sobre la brutalidad del ser humano. Las escenas finales con la flota de taxistas de Paris en busca del asesino son impactantes y de un suspense que te mantiene aferrado a la silla.

Parece increíble que films como este permanezcan casi inéditos en nuestro país, cuando en Francia es casi una cinta de “culto”. Esperemos que alguien se anime a editarla en DVD o que el canal 8 acabe emitiéndola en versión original con subtítulos que es cuando se disfrutan más las películas.

De Lino Ventura, tendremos ocasión de hablar en más ocasiones, no en vano fue uno de los 4 grandes de los “polar” franceses con Gabin, Delon y Belmondo. Buscad y disfrutar de esta joya tan y tan desconocida.

La película completa en francés:
http://www.youtube.com/watch?v=UNtSgKz9ues

Entrevista a LINO VENTURA
http://www.youtube.com/watch?v=gJm9Sm8RpOQ

NON SI SERVIZIA UN PAPERINO (Angustia de Silencio)

NON SI SERVIZIA UN PAPERINO

(Angustia de Silencio) (1972) (Don't Torture Donald Duck) Dir.: Lucio Fulci.

Los habitantes de Accendura, un pequeño pueblo de la región Lucania, están aterrorizados por las andanzas de un misterioso asesino que mata a niños... (FILMAFFINITY)

Ante tamaña obra maestra, absolutamente desconocida por el gran público, aunque no para los expertos y curiosos amantes no solo de los films de Serie B, sino de los “giallos” y cine italiano en general, esta es una pieza de “culto” absoluto.

Lucio Fulci, es, sin duda, un director muy, muy irregular, pero cuando la acierta hace un bingo a la primera. Es cierto que ha sido un personaje muy polémico, sobre todo en los últimos años de su extraña carrera, pero también lo es que hay al menos 4 películas en su haber que pueden dejar asombrados a más de uno. Curioso hombre de cine que empezó con comedietas al servicio del inmenso TOTÓ o de los mas bien penosos Franco Franchi y Ciccio Ingrassia (inolvidable: ¡Voglio una donna! de Amarcord) o de films musicales para mayor gloria (o no) de jóvenes cantantes como Mila, Celentano o Tony Dallara. Ninguna de estas películas pasara a la historia y, a pesar de la calidad de estos interpretes, el cómputo final es bastante mediocre. Luego jugó con el spaguetti western, la comedieta italiana, sorprendió con un film histórico (Beatrice Cenci) en el que empezó a asomar su gusto por la crueldad, el sadismo y la violencia. Pero fue con el “giallo” UNA HISTORIA PERVERSA que pareció encontrar su camino hacia la gloria. Le siguieron otras pequeñas obras maestras del género como UNA LAGARTIJA CON PIEL DE MUJER. Y fue con esta ANGUSTIA DE SILENCIO (estúpido titulo español) donde alcanzó el cielo de los inmortales. Me he permitido copiar algunas partes de críticas de aficionados donde explican mejor que lo pueda hacer yo la excelencia de esta obra imborrable:

Brillante laberinto de espejos deformantes, caluroso y alucinado ejercicio de suspense, el film de Fulci no se detiene en los zarpazos de estilo: construye, con la ayuda de Gianfranco Clerici, un diabólico guión que no para de zarandear al espectador de un sospechoso a otro, de una hipótesis a la siguiente. Para suponer y descartar y volver a suponer. Sin caídas de ritmo, también sin excesiva coherencia y abusando de las casualidades, sí, pero atrapando con ello al espectador, jugando al engaño con ingenio como todo buen giallo que se precie. Como tal, su resolución será de un delirante que sólo puede esconder algo triste y amargo: un profundo patetismo. Aunque anterior a sus célebres gores fantásticos, es una obra mórbida y magistral que explora el derramamiento de sangre sin salirse del marco de la realidad, lo que la hace aún más extraña y perturbadora. Además de lírica, dulce, erótica y cruel: otra joya de don Lucio. (Nachete –Málaga-)

Fulci es de aquellos cineastas con los que no caben medias tintas. O lo amas o lo odias. Su forma de entender el cine podrá cautivarte o repelerte, pero lo que está claro, clarísimo, es que jamás te dejará indiferente. Eso, nunca.

Un modélico giallo (para muchos el mejor que se ha hecho nunca) que contiene, al margen de esa ultraviolencia gore que le hizo célebre, todos y cada uno de sus rasgos distintivos. Me estoy refiriendo, como no, al decadente encanto de su puesta en escena, a su tremenda habilidad para crear atmósferas siniestras, a su talante políticamente incorrecto, a su elegante erotismo y a su increíble destreza para materializar pavorosas y delirantes ideas visuales. Aún así, permitidme destacar una secuencia. Sólo una. En ella aparecen cuatro tipos linchando con palos y cadenas a una bellísima bruja gitana. La podéis localizar en youtube y os aseguro que si sois amantes del género terrorífico y no habéis visto aún la peli de Fulci, el poderío de sus imágenes y el brutal contraste logrado con la balada de Ornella Vanoni os empujará inexorablemente a verla. Lo digo por experiencia propia. (Taylor –Terrasa-)

La película tiene una escena de una muerte brutal, muy grotesca, muy de Fulci, pero Lucio era un director tan genial que la convierte en un conjunto de imágenes con una fuerza visual impresionante y que con ese soberbio acompañamiento musical se convierte en uno de los momentos más bellos e inolvidables del film. Fulci era un grandísimo director de atmósferas, y aquí lo demuestra, donde la fotografía, llena de escenarios naturales, brilla con luz propia y a si a eso le sumamos una dirección con bastante garra, hace que la película estéticamente sea digno de mención. (Geckobrother –Gijón-).

Y así podríamos seguir hasta el infinito. Solo recordar el increíble reparto del que dispone el amigo Fulci en esta obra: THOMAS MILIAN, IRENE PAPAS, FLORINDA BOLKAN, BARBARA BOUCHET, GEORGE WILSON. Y este fue su canto del cisne, seguramente algo muy discutible para los seguidores del autor, pero los “gores” que se marcó más tarde para mí son las obras de terror más cómicas de la historia de la SERIE B mundial. Con títulos como: ROMA, AÑO 2072 D.C.: LOS GLADIADORES o NUEVA YORK BAJO EL TERROR DE LOS ZOMBI Fulci fue perdiendo la credibilidad. Y aunque hay que comprender que la mayoría eran trabajos alimenticios, no deja de entristecer que un director capaz de crear una obra como la que hablamos no haya podido seguir deleitándonos con películas parecidas. Si podeis no os perdáis esta ANGUSTIA DE SILENCIO o como dice su titulo original: “NO SE TORTURA A UN PATITO”.

TRAILER:

http://www.youtube.com/watch?v=WnhDP7yYfNc

Entrevista

http://www.youtube.com/watch?v=3aiA3gTr8Rk

Musica

http://www.youtube.com/watch?v=ElwBt9GE2es

LOS TARANTOS

LOS TARANTOS 

(1963) Dir.: Francisco Rovira Beleta.

En la ciudad de Barcelona se recrudece, en un violento enfrentamiento, el odio de dos familias gitanas rivales: "Los Tarantos" y "Los Zorongos". Rafael, el Taranto conoce, en el marco singular de una boda, a Juana, La Zoronga. Los dos jóvenes, envueltos por la magia de la fiesta, se juran amor eterno con un pacto de sangre. Tras una noche de amor, descubren con desesperación que pertenecen a las dos familias rivales. Angustias, la madre Taranta, seducida por el embrujo del baile de Juana, supera el odio familiar, pero Rosendo el padre Zorongo se niega aceptar el enlace. Basada en un obra teatral de Alfredo Mañas, una versión de "Romeo y Julieta" trasladada a una barriada gitana de Barcelona. Nominada al Óscar a la mejor película en habla no inglesa. (FILMAFFINITY)

OBRA MAESTRA se mire como se mire, tan excelente adaptación de ROMEO Y JULIETA como pueda serlo WEST SIDE STORY, quizás sin tanto presupuesto, pero igual de emotiva, rica y original. 

Rovira Beleta un director (artesano como a él le gustaba llamarse) tenía un gusto demasiado exquisito para hacer cine en España. LOS TARANTOS en otras manos no hubiera llegado al grado de perfección que en con él consigue. Porque él fue quien quiso a CARMEN AMAYA y a un jovencito ANTONIO GADES, fue suya la idea de crear una Barcelona gitana, de filmar de manera magistral ritos, creencias, bailes (por favor, solo por ese paseo de Gades por las Ramblas en plena noche, ya se merece un Oscar). Director con tres obras como mínimo a no olvidar (HAY UN CAMINO A LA DERECHA, LOS ATRACADORES y EL AMOR BRUJO).

Creó lo que Saura años más tarde reinventó estilizando al máximo. Y no debía ser fácil para Rovira Beleta vérselas con una historia así teniendo en cuanta las cientos de películas de corte folklórico/flamenco que durante años inundaron nuestras pantallas…y ahí es donde está la diferencia de la mano maestra:como mostrar algo tan conocido dándole un toque original. Diría que el film casi roza el neorrealismo y el documental sin caer ni en la sosería ni en la pedantería… incluso el sentimentalismo y lo romántico se dan la mano con una visión absolutamente cinematográfica, como olvidar ese beso dado en el fondo del mar paraqué nadie sea testimonio de unos amores ilícitos (¿?). Rovira Beleta era un caballero, un hombre noble, un gran artista que el tiempo y la industria no apoyó demasiado, pero no hay que olvidar que sus TARANTOS fueron la primera película que representaron a España en los premios de los Oscars… y que la repercusión que la película tuvo fuera de nuestras fronteras fue inmensa, relanzando el flamenco con una nueva visión, alejándolo de las peinetas y los faralaes de siempre. 

De visión obligadísima para todos los amantes del musical, y para demostrar que no solo en América se pueden hacer… y aunque este camino abierto no tuvo demasiado seguimiento (quizás el mismo Rovira con EL AMOR BRUJO… y pocas más) se ha ganado con absoluto honor un espacio en letras de oro en el mundo del musical cinematográfico. Recordar que se hizo un penoso remake en 1989 dirigida por un Vicente Escrivá en horas bajas, que nunca hará olvidar el original. 

La hermosa Sara Lezana y el galan - y malogrado-  Daniel Martin estaban perfectos en la pareja de enamorados, que al parecer llevaron más allá de las pantallas durante un tiempo. En personajes secundarios no hay que olvidar a MARGARITA LOZANO, actriz que acabó exiliada a Italia labrándose lo que hoy se llamaría una carrera internacional con películas firmadas por Vittorio de Sica, Ermano Olmi o los Taviani… pero claro, entonces los actores no era objetos de feria y solo era trabajadores del espectáculo. 

Y para los muy curiosos y un poco “frikis” (entre ellos estoy yo) destacar que el director de fotografía y cámara de LOS TARANTOS es ni más ni menos que el más tarde director de culto de las serie B italianas: MASSIMO DALLAMANO (¿Qué habéis hecho con Solange?). En fin que es un placer recordar, hablar y volver a visionar una joya como esta que un día hizo grande a la cinematografía catalana y por ende la española.

Pelicula entera:

http://www.youtube.com/watch?v=T7Re1kKCmcU

I TRE VOLTI DELLA PAURA (Las 3 caras del Miedo)

I TRE VOLTI DELLA PAURA 

(Las 3 caras del miedo) 1963 Dir.: Mario Bava

Tres cuentos de terror con mujeres amenazadas por llamadas misteriosas, vampiros en las estepas rusas y sangrientas venganzas: 

"El teléfono": una mujer, que vive sola, comienza a recibir inquietantes llamadas. Al otro lado del teléfono, una voz masculina profiere amenazas de muerte y de deseo. Aunque, en principio, todo parece una broma... 

"Los Wurdalak": el viajero ha encontrado el cadáver de un hombre apuñalado. También una sombría mansión y, entre sus habitantes, una bella mujer. Y esa noche se cumple el plazo: si el señor del lugar regresa pasada la medianoche vendrá convertido en Wurdalak, horrible ser sin vida que se alimenta de la sangre de sus víctimas...

"La gota de agua": una anciana espiritista muere mientras intentaba comunicarse con el Más Allá. La enfermera que la atendió roba un valioso anillo al cadáver. A partir de ese momento sufrirá la venganza de la difunta... (FILMAFFINITY)

Estamos ante un caso excepcional: MARIO BAVA. Director todo terreno, artesano, director de fotografía, montador, guionista, creador de efectos especiales, director de segunda unidad en films internacionales. Un hombre forjado en la SERIE B pura y dura, acostumbrado a realizar trabajos que exigían grandes dosis de imaginación ya que el dinero ni existía. Amante del cine, nunca pudo darse el gusto de hacer la “GRAN” película, y sin embargo muchas de sus “pequeñas” películas son mejores y más ricas que muchas superproducciones en donde hay dinero a mansalva. 

Quizás esta circunstancia, de trabajar en absoluta podredumbre, fue la que le incitó (y obligó) a trabajar desde la nada para hacer que su buen hacer, en todos los campos, reluciera con una desbordante imaginación. Profesional a prueba de bomba abordaba todos los temas, pero era aquellos en donde la fantasía predominaba donde su talento brillaba con más fuerza. Muchos cineastas de culto de hoy han copiado, y hasta diría que calcado, con más presupuesto claro está, las magnificas ideas de Bava en sus puestas en escena. “TERROR EN EL ESPACIO” no es más que una anticipación de lo que luego sería ALIEN, incluso con sorprendentes coincidencias en su tratamiento. La excelente lucha final con escenas submarinas de LA BATALLA DEL MARATHON se debe a Bava por mucho que la firme Jacques Tourneur. En fin que si lo que pedían los cineastas rebeldes franceses era que los directores fueran “autores”, Mario Bava cubre de sobras con la palabra y sobre todo con los hechos.

LAS TRES CARAS DEL MIEDO es una pequeña obra maestra del género de terror, y de la SERIE B en general, una película nunca superada y que aún hoy si se vuelve a visionar te deja el miedo en el cuerpo. Son tres historias de tratamiento, estética y visión distinta de tres formas de ver el terror. Suele decirse que la primera de las historias es la más floja, pero estoy en absoluto desacuerdo, es perfectamente lógica y muy bien colocada en primer lugar. Es una clara anticipación del género llamado “giallo”, el miedo a lo desconocido, al no saber que ocurre, el miedo a los ruidos, a los silencios. Es el miedo a nosotros mismos. Y Michele Mercier esta estupenda (y guapísima). La segunda historia es el miedo real, el que vemos, el que conocemos, el de las leyendas que ya sabemos y nos han contado. Es plantarse de cara con el terror autentico sin poder hacer nada. Una historia de vampiros inspirada en un cuento de Guy de Maupassant, en donde el maestro Boris Karloff nos hiela la sangre cada vez que mira fijamente a la pantalla. 

Terror gótico en la mejor tradición del cine italiano de los 50 (homenaje implícito a su maestro Riccardo Fredda). La tercera historia es el cumulo de las otras dos, es la sublimación del terror, por eso esta escalada lenta del miedo, del primer al último episodio. El miedo al más allá, a nuestros propios remordimientos, a nuestras obsesiones y maldades ocultas. Terror en estado puro. Con esta historia no pude pegar ojo en bastante tiempo. Aún hoy me estremezco al pensar en ella.

Cine de cartón piedra que no busca el engaño sino la complicidad, que es la base de todo el cine de Serie B, hacer cómplices al espectador de las mentiras e historias que nos cuenta un magnifico narrador para hacernos creer que son ciertas. Mario Bava, un autentico fuera de serie, olvidado constantemente en la historia del cine a favor de otros que con mayores presupuestos lograron menos.

Trailer

http://www.youtube.com/watch?v=QI9zFsknIPg

Pelicula entera con subtitulos en español:

http://www.youtube.com/watch?v=uXSRTbOEUxw

MÉLODIE EN SOUS-SOL (Gran Jugada en la Costa Azul)

MÉLODIE EN SOUS-SOL 

(1963) (Gran jugada en la Costa Azul) Dir.: Henri Verneuil.

Charles acaba de salir de la cárcel. Su mujer le propone que inviertan sus ahorros para montar un chiringuito en la Costa Azul y comenzar una nueva vida. Pero Charles ya no es joven y lo que desea es dar un último y gran golpe que le permita retirarse a lo grande. Tiene un plan perfecto para acceder a la cámara acorazada de un casino en Cannes, que contiene cien millones de francos. Para llevar a cabo el trabajo cuenta con la complicidad de Francis, un joven compañero de prisión. (FILMAFFINITY)

El incansable, y a veces insoportable, director Steven Sonderbergh dijo que la segunda película sobre Ocean’s y su tribu estaba inspirada en este grandísimo clásico del “polar” (cine negro) francés. No sé si será cierto, o no, pero la verdad es que hubiera necesitado de más inspiración, o de tener un dialoguista como el insustituible Michel Audiard… además de una historia como la que plantea John Trinian en su novela (adaptada al cine por él mismo bajo el seudónimo de “Zekial Marko”). GRAN JUGADA EN LA COSTA AZUL es un inmenso film dirigido por maestría por otro de los “perdonados” (después de cargárselo, claro está) por la Nouvelle Vague: Henri Verneuil. 

Este hombre que ha sus 43 años ya llevaba unos cuantos peliculones a su espalda (“EL PRESIDENTE”, “UN MONO EN INVIERNO”, “MAXIME”o “LA VACA Y EL PRISIONERO”) se atrevió a crear un obra modélica de suspense y tensión, jugando, aparte del guión y los diálogos, prácticamente con la baza de sus dos excelente actores: JEAN GABIN y ALAIN DELÓN. 

Sería impensable crear una obra tan perfecta sin estos dos intérpretes de excepción capaces de decir frases como: "Si le doy una patada a una palmera caen cincuenta zorras como tú" o "A las putas, a medida que se acerca el invierno, les gustan más las pieles". Dos tipos duros en busca del golpe perfecto, con una meticulosidad y profesionalismo a prueba de bomba y con un final absolutamente sorprendente. En la búsqueda de films no demasiado conocidos hoy en día por la masa de jóvenes imberbes que hacen cine mirándose en el espejo de los Christopher Nolan de turno (y mira que puede a ser aburrido el fulanito ese), se olvidan que todo ya está en los clásicos, que actuaban a cara descubierta sin trucos de ordenador, ni efectos de circo… Deberían revisar esta obra maestra que, como todas las que llevo comentadas, se pueden encontrar al módico de 6 euros (menos que una entrada en el cine) en cualquier tienda de DVD del país.  

Un cine hecho con agallas, con fuerza, sin concesiones, sin efectismos ni de cámara ni de música rimbombante, ni de interpretaciones histriónicas. Solo un primer plano del rostro de Jean Gabin ya vale por cien películas de las actuales. Laconismo, ironía, sinceridad interpretativa… por no hablar de la calidad seductora del eternamente bello Alain Delón, un actor atractivo como pocos que se lanzó a realizar films difíciles sin red, y que casi siempre caía de pie. Delón ha sido mejor actor de lo que los muchos envidiosos de su “guapura” hubieran querido, y ya no hablo de clásicos como “EL GATOPARDO” o “A PLENO SOL”, sino de “EL SILENCIO DE UN HOMBRE” o de la exquisita “DOS HOMBRES EN LA CIUDAD”. Hay que volver a revisar esta reliquia para darse cuenta de que casi todo el cine “moderno” que se hace ahora ya existía en los 60, y si me perdonan los jóvenes airados, mucho mejor.

Mención aparte merecen LOUIS PAGE creador de esta fotografía envolvente y en Blanco y negro donde utiliza la pantalla panorámica de forma ejemplar. Y debemos hablar de la música simple pero eficaz de Michel Magne, uno de esos pequeños maestros que compuso bandas sonoras para más de 80 films de los mal llamados de Serie B franceses, y digo mal llamados porque vistos hoy muchos de ellos merecerían figurar entre los mejores films de la historia del cine negro mundial, como la película que nos ocupa… otra cinta para la que los años no pasan.

Entrevista con Jean Gabin:

http://www.youtube.com/watch?v=35r5hXn-Grk

Entrevistas con Delón y Verneuil:

http://www.youtube.com/watch?v=10BV-1E8RR0

Tema musical:

http://www.youtube.com/watch?v=yoXvEkJ0VTA

Pelicula entera en francés con subtitulos en ingles:

http://www.youtube.com/watch?v=cYjt-yX7jlc

LAS VEGAS 500 MILLONES

LAS VEGAS 500 MILLONES 

(1968) Dir.: Antonio Isasi Isasmendi. (They Came to Rob Las Vegas) (USA título)

El robo de una fuerte suma de dinero trasladada desde los casinos de Las Vegas hasta los bancos de San Francisco es un buen reclamo para una banda de ladrones. Estos planean el golpe, pero una vez efectuado el robo las ambiciones de cada uno de los integrantes de la banda provocan una serie de enfrentamientos inesperados. (FILMAFFINITY)

Si hay, y ha habido, un director con vocación internacional y de clara voluntad comercial, este ha sido sin duda ANTONIO ISASI. Un hombre con clara visión de lo que se puede hacer en cuanto a cine de acción, es una “rara avis” en la cinematografía española. 

Ya desde sus principios con una modesta pero contundente “opera prima” –RELATO POLICÍACO-hecha sin dinero pero con bastante imaginación y un envidiable sentido del ritmo (no en vano empezó como montador) Isasi se distingue de la media de realizadores de la época en su búsqueda de un cine más parecido al modelo americano que al europeo. Sin embargo a lo largo de su carrera ira encontrando su propia personalidad, y aunque teniendo en su ideario a los grandes maestros USA, es capaz de plantar cara a la industria americana jugando con sus propias armas. Ya en la insólita RAPSODIA DE SANGRE elige una historia que ocurre en un país tan alejado del nuestro como Hungría (¿?), y convierte la ciudad de Barcelona en Budapest. Pero donde realmente Isasi demuestra todo su potencial es en dos películas de acción banal, pero tan bien rodadas que se convierten en un gran suceso tanto en España como en el mundo: “LA MÁSCARA DE SCARAMOUCHE” y sobretodo la paródica “ESTAMBUL 65”.

Aprovechando su buen momento, da una vuelta de tuerca a su carrera y rodeado de excelentes profesionales de medio mundo rueda un brillante film como es “LAS VEGAS 500 MILLONES”. Es la primera vez que un director español entra de lleno en la industria americana y consigue recaudaciones de ensueño, además de una excelente posición como profesional.

LAS VEGAS 500 MILLONES sigue la fórmula de atraco perfecto y sus funestas consecuencias. Pero es gracias a su mirada personal, una fotografía absolutamente moderna para la época, un guión sin estrías y un puñado de actores que tumba de espaldas, la película se erige como el único (hasta el momento) caso de film internacional (es una coproducción entre varios países) con un resultado final sobresaliente.

Gary Lockwood uno de sus protagonistas, acababa de rodar “2001 ODISEA DEL ESPACIO”, pero es que a su lado estaban ni más ni menos que JACK PALANCE, LEE J. COBB, JEAN SERVAIS, ELKE SOMMER o ROGER HANIN. Sin ningún tipo de complejos ISASI se atreve a convertir el paisaje de Tabernas en Almería en el desierto de LAS VEGAS. Sensualidad, corrupción, envidias, ambición desmedida, investigación policial, ambientes sofisticados son los elementos que componen una trama perfecta con un desarrollo y final sorprendente para aquella época.

Mucho se habla del cine “internacional” de Amenábar o Almodóvar, sin embargo ninguno de los dos ha conseguido un film tan “universal” y del gusto de todos los públicos como Isasi y sus 500 MILLONES. Quizás el único con la misma vocación y saber hacer seria J.J. BAYONA que con su “LO IMPOSIBLE” consigue despegar de la media del país.

ISASI y sus maravillosas producciones deberían ser de visión obligada en las escuelas de cinematografía del país, y su obra estudiada concienzudamente para desmentir el mito de un cine español ( y en este caso catalán) que no hacía otra cosa que mirarse el ombligo. La lástima es que su camino no fue seguido por nadie más, aunque sí es cierto que directores tan vilipendiados (como él mismo) como JOSE ANTONIO DE LA LOMA lo intentaron con ganas, pero no llegaron a la sabiduría del que llegara a hacer una obra tan perfecta como “EL PERRO” (1979)

http://www.youtube.com/watch?v=SXuD2FMeQpE

DRAMMA DELLA GELOSIA (El demonio de los celos)

DRAMMA DELLA GELOSIA

EL DEMONIO DE LOS CELOS (1970) 

Oreste, un albañil casado y con hijos, militante del Partido Comunista Italiano, lleva una vida tranquila con su esposa, una mujer mayor que él y que incluso se parece a su madre. Pero el día en que conoce a Adelaida, una joven y atractiva florista, empieza a cortejarla y, locamente enamorado, lo deja todo por ella. La situación se complica cuando entra en escena Nello, un vendedor de pizzas, pues Adelaida no sabe por cuál de ellos decidirse. Oreste, que empieza a sentirse relegado, se vuelve loco de celos y pierde el control de sus actos. (FILMAFFINITY)

Ettore Scola. Un respeto señores: he ahi un trio inimaginable: Mastroianni (grande, grande... inmenso) Giannini (actor para todo y siempre bien) y la Vitti (aqui hay que quitarse el sombrero, pues despues de aguantar a Antonioni se lanzo a la comedia, que es lo que hacía de maravilla)... y junto a ellos y el cuarto en el reparto: ¡Manolo Zarzo! (¡bravo... bravissimo!). 

Y como chef de la ensalada un Ettore Scola en estado de gracia y en su primer gran, gran éxito mundial. Una comedia, sucia, desvergonzada, sensual, proletaria y absolutamente divertida. 

¿Como en 1970 hacer un film que glorifique el "menage a trois" sin que sea francesa, y con un trio de obreros italianos que apenas se lavan?. Pues si ustedes no conocen esta película, no sé que hacen ahí sentados y no la están buscando como locos por donde sea (en emule me consta que está). ¿Como se puede vivir sin conocer esta joya?. ¿Como alguien puede hablar de cine sin saber que existe esta cinta?. Y para más "inri", ademas, fue una extraña co-producción con España (también sale Juan Diego). No olvidemos que Ettore Scola fue guionista antes que "fraile" de algunas de las mejores comedias italianas de los 50, 60 y 70 como "LA ESCAPADA", "UN AMERICANO DE ROMA" y unos 80 tÍtulos más. 

Un "autor" con el que volveremos en más de una ocasión, pero que hoy quiero dejar su excelente huella en esta película por la que los años no pasan. Mastroianni demuestra lo buen actor que era, y no como se piensa (erróneamente) un "guapo" oficial... aquí sale descompuesto, horrible, casi bizco... aunque es cierto que ni así deja de tener su encanto. El primer Scola del que hablaré... y como ya he anunciado, no será ni por asomo el último. Y quien la vea o haya visto que me cuente sino es de las mejores tragicomedias que se hayan visto en una pantalla.

Armando Trovajoli fue el encargado de musicar tan especial película, y como ya es costumbre en los compositores italianos lo hizo de forma graciosa, pero añadiéndole unos toques melancólicos y románticos que contrastaban con la farsa descarada que se desarrollaba en la pantalla, lo que le acaba dando un aire de naturalismo extraño, pero muy eficaz. Trovajoli compuso mas de 200 bandas sonoras para films de todos los paises y es un claro referente, junto a Ennio Morricone y Ninno Rotta, de lo que dio de sí la música en el cine italiano.

http://www.youtube.com/watch?v=yULQwIHFKcQ

L'HOMME DE RIO (El Hombre de Río)

L'HOMME DE RIO

EL HOMBRE DE RIO (1964) Dir.: Philippe de Broca

El soldado francés Adrien Dufourquet está a punto de pasar una semana de permiso más ajetreada de lo esperable. Mientras se dirige a París para visitar a su novia, se produce el robo de una estatuilla de origen amazónico en el Museo del Hombre de la capital. Los ladrones se llevan, además, al profesor Chatillón, miembro de la expedición que halló el objeto, y a su novia. Cuando Adrien aterriza en París tiene que seguir el rastro de los secuestradores hasta Río, Brasilia y el corazón del Amazonas. (FILMAFFINITY)

De Broca y Belmondo resultaron una pareja cinematográfica casi tan buena como Laurel y Hardy o Abbot y Costello. 

Juntos nos llevaron de la mano a mil y una aventuras, a cual mas demencial y a cual mas divertida y emocionante, desde la maravillosa y sentimental "CARTOUCHE" hasta la fantasiosa "COMO DESTRUIR AL MAS FAMOSO AGENTE SECRETO DEL MUNDO", sin olvidarnos, por supuesto, de la adaptación de Verne: "LAS TRIBULACIONES DE UN CHINO EN LA CHINA" en donde Jean Rochefort robaba la película en cuanto aparecía. Pero fue este HOMBRE DE RÍO el que marcó un antes y un después en la carrera del ídolo de la "nouvelle vague": Jean Paul Belmondo. 

Se divirtió tanto con esta película, que se acomodó en este tipo de films, intrascendentes, pero imprescindibles para entender lo que es el buen cine comercial, sin cortarse un pelo, yendo a saco, sin falsas coartadas intelectuales, el divertimento por el divertimento, o como diría Lelouch: La Aventura es la Aventura. 

Y aquí tenemos acción, suspense, muchísimo humor, ironía y espectáculo para todos los gustos. Aventuras urbanas, historia de ambición y búsqueda de un tesoro... todo esto es EL HOMBRE DE RIO. Y Belmondo paseando su simpatía por la selva amazónica, las calles de Río y las chavelas con sus niños y su samba. 

A su lado una FRANÇOISE DORLEAC de la que era imposible no enamorarse y pensar que uno haría lo mismo que Belmondo yndose al fin del mundo para rescatarla. Jean Servais, Adolfo Celi y Roger Dumas son las figuras que acompañan a nuestro amigo en esta aventura cinematográfica que rompió taquillas en su día. 

Recuerdo ahora un film de Bertrand Blier llamada "LOS ACTORES", en la que Belmondo (interpretándose a si mismo) es torturado por críticos furiosos que no le perdonan haber traicionado a la "nouvelle vague" con películas tan comerciales... y él, muerto de risa, recibiendo una monumental paliza y diciendo..."¿y lo que nos hemos divertido?"...

Amigo Belmondo, aquí un rendido admirador suyo, que pasó su adolescencia pensando que si un tipo tan "feo" como usted triunfaba tanto con las señoras como en el cine, siempre había una esperanza para todos nosotros.

http://www.youtube.com/watch?v=-JmQO5BAT0k

ATRACO A LAS 3

ATRACO A LAS 3 

(1962) Dir.: JOSÉ Mª FORQUÉ. 

Galindo, un infeliz soñador, trabaja como cajero en una sucursal bancaria. Cierto día, reúne a un grupo de compañeros y les expone su idea para perpretar un atraco en la propia sucursal donde trabajan todos ellos. En principio, estos no le creen, pero poco a poco Galindo les va convenciendo de la viabilidad del atraco, por lo que se disponen a cometerlo tras una preparación minuciosa. (FILMAFFINITY)

El tiempo es el que ha puesto en su sitio una película como ATRACO A LAS 3. Un divertimento que esconde una mala baba de padre y muy señor mio. En la España de las letras de cambio, del utilitario, del "progreso"... esos pobres desgraciados que intentan perpetrar un atraco absurdo, casi surrealista resulta al final mas "realista" que muchos de los films del llamado "Nuevo Cine Español". 
A remolque sin duda del magnifico "RUFUFU" de Monicelli, esta cinta española resulta mucho mas virulenta y vitriólica que cualquier denuncia al franquismo hecha de manera mas "ortodoxa". Porque el retrato que hace de los españolitos de los sesenta es demoledora. 

Forqué como quien no quiere la cosa nos desmonta esa sociedad del "bienestar" que querían vendernos un gobierno fascista que ansiaba ponerse la careta de "progresista" y "europeo". Arropado por un plantel de actores de quitarse el sombrero, en la película no hay ni una secuencia que sobre, ni una frase de mas... es una obra que roza la perfección. 

CASSEN después de PLACIDO crea ese personaje bonachón, ingenuo y que vive como puede. A su lado JOSE LUIS LOPEZ VAZQUEZ en el rol que le lanzó definitivamente al estrellato (al de aquella época, claro) que con su sonsonete característico le decia a KATYA LORITZ: "Galindo, un admirador, un amigo, un servidor, un siervo... su esclavooo, señora a sus pies" , AGUSTIN GONZALEZ, MANUEL ALEXANDRE, GRACITA MORALES, el maravilloso JOSÉ ORJAS y aún sin ser conocido ya asomaba esos ojillos maliciosos nuestro querido ALFREDO LANDA que daba muestras de su futuro potencial en cada aparición. 

Film con letras MAYÚSCULAS, a pesar de ser una comedia (¿lo es?), a pesar de su tremendo éxito comercial (¿eso es malo?), a pesar de que sus actores estén pasados (¡que bien no!)., ATRACO A LAS 3 sigue disfrutándose hoy en día, aunque el productor PEDRO MASÓ quisiera seguir aprovechándose del éxito y realizara un lamentable y olvidable "remake" en 2003. A verla, a disfrutarla y a recomendarla... y a gozar como nunca con esos actores irrepetibles que nos dejaron tantas horas de sonrisas y risas en una época que no estábamos para tantas alegrías.

http://www.youtube.com/watch?v=uyNBxNwzNno

SIGNORE E SIGNORI (Señoras y Señores)

SIGNORE E SIGNORI

SEÑORAS Y SEÑORES (1966) Dir.: Pietro Germi. 

En una pequeña localidad del Véneto se cruzan tres historias. Un "donjuán" empedernido visita a un médico amigo suyo para consultarle un falso problema de impotencia; su propósito es mantenerlo ocupado para poder seducir a su mujer. Un frustrado empleado de banca, casado con una mujer déspota y agobiante, sueña con fugarse con una cajera de la que está enamorado. Sin embargo, la mujer intuye los planes de su marido y provoca un escándalo. Una joven campesina que llega a la ciudad para ir de compras se deja engañar ingenuamente por un grupo de hombres, que se aprovechan de ella. El padre de la chica, presentará una denuncia porque ella es menor de edad. (FILMAFFINITY)

No es descabellado pensar que ciertos géneros cinematográficos sólo pueden nacer allí donde se gestan. Las condiciones sociales, políticas, económicas, culturales, etc., marcan una determinada manera de pensar y, por ende, de mirar. O mejor dicho, de transmitir la mirada, de particularizárla. Quizás el paso del tiempo, el cambio de la mirada, nos haga observar ciertas muestras de estos géneros como reliquias etnograficas, testimonios históricos de épocas pretéritas, haciéndonos ver lo que somos a través de aquello que fuimos.

No es por lo tanto menos descabellado pensar que sólo en Italia pudo nacer un género cómico tan idiosincrásico como el que apareció en los años 50, ni que un formato como el blanco y negro influyera tanto como para aportarle una dimensión simbólica tan potente, ya que la cinematografía italiana pasó en apenas una década (la que contuvo los últimos estertores del fascismo mussoliniano y la crisis existencial post-bélica) del llamado género de “teléfonos blancos” a la visión negra y pesimista del neorrealismo. De la mezcla de ambos “colores” no nació el gris (concepto cromático ligado indefectiblemente a la tristeza), sino uno nuevo que contenía a ambos a la vez (el blanco y el negro) a partes iguales, fusionándolos en un género que permitía a la vez el retrato social y la pulla descarada. 

Pietro Germi que venia del neorrealismo puro y duro (El Ferroviario, El hombre de paja) fue el máximo exponente de este género mas cercano a la farsa que a la tragicomedia. Como gran observador que era (y excelente actor ademas) pudo distorsionar la imagen de su sociedad hasta crear unos tipos que de tan absurdos resultaban hasta realistas. Quizás fue con DIVORCIO A LA ITALIANA y con SEDUCIDA Y ABANDONADA que inicia los escarceos para encontrar (y que sin duda halló) ese nuevo género que venia de una larga tradición italiana con el maravilloso Eduardo de Filippo al frente, llegó con esta "SEÑORES Y SEÑORAS" a su máximo esplendor. 

Película estrenada en España bajo el paraguas del llamado cine de "arte y ensayo", vaya usted a saber porque, se convirtió en un pequeño éxito gracias al boca oreja (y no a los críticos que menospreciaban el género y seguian mas atentos a la dificil cinematografía de los países del Este). Quizás si hubiera podido rodar su última obra: "AMICI MIEI" (llamada en nuestra España de pandereta: "HABITACIÓN PARA 4") Germi hubiera culminado su GRAN OBRA MAESTRA. Sin embargo su amigo y gran cineasta Mario Monicelli le hizo el favor de terminarla, justo cuando Germi murió de un cancer. 

Obra imprescindible para entender un cine italiano alejado de los Visconti y Passolini, y que era herencia de los Totó y de algunos De Sica. Con unos actores absolutamente perfectos que entraron de lleno al juego que Germi les proponía. La proyección de esta película debería ser obligatoria en todos los hogares de "clase media" para entender quienes son y a que se dedican los llamados  burgueses de "clase alta".

http://www.youtube.com/watch?v=DbQXARR1uwc

Mención aparte merece la maravillosa banda sonora de CARLO RUSTICHELLI, que consigue aunar, ambiente e ironía solo oyendo su música. Un dia deberíamos hablar del fantástico legado que los compositores italianos dejaron a la historia del cine.

http://www.youtube.com/watch?v=WnmnoNOpuGM