MAFIOSO (El Poder de la Mafia)

EL PODER DE LA MAFIA 

(MAFIOSO) 1962.  

Dir.: ALBERTO LATTUADA

Antonio Badalamenti es un honrado siciliano que trabaja y vive en Milán. Llegada la época estival, decide pasar sus vacaciones en Calenzano, su pueblo natal, situación que aprovecha el director de su empresa para enviar un paquete a Don Vincenzo, el jefe de la mafia local. A partir de ese momento el protagonista se verá implicado en los turbios negocios de la mafia. (FILMAFFINITY)

A Lattuada se le considera sobretodo un descubridor de estrellas: desde Jacqueline Sassard hasta Nastassia Kinski, pasando por Clio Goldsmith. Marina Vlady o la mismísima Silvana Mangano. Sus películas eran vehículos perfectos para incipientes actrices, bellas y jóvenes. Pero este hecho no nos puede hacer olvidar que fue él quien le dio la primera oportunidad a Federico Fellini ofreciéndole a co-dirigir su primer film: LUCI DI VARIETÁ (Luces de Variedades).

Cuando rodo esta maravilla titulada en España “EL PODER DE LA MAFIA” ya era un director consagrado, pero no demasiado valorado, a pesar de tener en su haber éxitos como “ANA” o “SIN PIEDAD”. El caso es que Lattuada no hacía ascos a dirigir cualquier film por bueno o malo que fuera el guión, era un artesano, palabra casi que prohibida también en los círculos intelectuales italianos, quiero decir que no estaba en la onda de Visconti, Rossellini o De Sica (otro mercenario que sin embargo consiguió ser aceptado por el circulo privilegiado).

LATTUADA en esta ocasión recibió el encargo de Dino de Laurentiis para dirigir una obra curiosa escrita nada menos que por Rafael Azcona, Marco Ferreri y los incombustibles Age & Scarpelli, una especie de broma macabra sobre las prácticas de la Cosa Nostra siciliana. Sin embargo Lattuada consiguió reconvertir la broma en toda una declaración de principios en contra de las Mafias locales, el “tono” que empleó estaba más cercano a la tragicomedia que a la comedia desenfadada… y mucho más trágica que dramática. Incluso Francis Ford Coppola copió descaradamente ambientes, personajes y situaciones de esta cinta sin igual para recrear sus “Padrinos”.

Con pulso firme y con la complicidad absoluta de un Alberto Sordi de nuevo en estado de gracia, consigue vapulear a toda una sociedad, la italiana, que aún sabiendo lo que ocurría a su alrededor prefería mirar hacia otro lado. Un film de imprescindible visionado para seguir comprobando como el cine italiano (y Mediterráneo) de los 60 era más creativo, original y arriesgado que TODO el cine que se rueda ahora y que autores/artesanos como LATTUADA necesitan ser revisados por varias generaciones que deberían descubrir un tipo de cine que por desgracia ya no volverá.

E aquí algunas críticas que existen por internet:

Pequeña Joya: Se aplica en esta desconocida película de humor negro (que yo no calificaría de comedia) la famosa máxima de "El Príncipe" de Maquiavelo, en la que se apoya toda la estructura de la Mafia, de que el poder consiste en hacer favores, porque quien los recibe estará ya obligado a devolverlos.  La película tiene una atmósfera casi irreal, de lo "verista" que resulta la descripción de Calamo, y pasa de repente a la tragedia en 5 minutos. Magnífico Alberto Sordi, que borda el acento siciliano (recomiendo encarecidamente ver la película en versión original) y que parece demudado, de repente, en un Don con boina y luppara. Imprescindible para reconocer cómo Coppola copió algunos tics y el "modus operandi" en este inframundo ("No corras, anda tranquilo"). Pequeña y extraña joya, en la que Azcona deja su sello inconfundible con su humor seco y sin florituras. (Dofuir)

¡Qué grandes amigos y guionistas de cine han sido el italiano Marco Ferreri y el español Rafael Azcona! Casi todos sus guiones hechos en colaboración mutua son auténticas joyas cinematográficas: ya "El pisito" (España 1959), "El cochecito" (España 1960), "Se acabó el negocio" (Italia 1964), "La gran comilona" (Francia 1973), entre las principales, y por supuesto este film que nos ocupa ahora, "Mafioso" (Italia 1962). Son guiones caracterizados por su excelente humor negro o descripción humorística de distintas vertientes de la realidad trágica y patética en que nos desenvolvemos los seres humanos. A destacar el ambiente mafioso siciliano, sobre todo el personaje de don Vicenzo, que seguro sirvió de inspiración a Coppola para el montaje del parecido don Vito Corleone en su película "El padrino" (USA 1972). Y también el papelazo de Alberto Sordi, un genial actor de seriedad humorística que para el cine italiano viene a ser similar a lo que José Luis López Vázquez es para la filmografía española.

La película es sorprendente, sobre todo a partir del instante en que el hombre que ha recibido favores del mafioso es solicitado para devolver parte de los mismos; entonces la historia coge un ritmo, una expectación y un interés que nos impide levantarnos del asiento. Una película muy buena, muy especial. (Fej Delvahe)

TRAILER FILM:

http://www.youtube.com/watch?v=hXsel5yyDcQ

ARRIVANO I TITANI (Los Titanes)

ARRIVANO I TITANI 

(LOS TITANES) 1962. Dir.: DUCCIO TESSARI

Zeus envía a Creta a Krios, un titán quizá el menos fuerte de los siete hermanos, pero con diferencia el más inteligente, para castigar a Cadmo, rey que se rebela contra los mandos del Olimpo, y trata de ascender a la categoría de “dios”. Krios llega a Creta y al poderoso rey Minos le impresiona como gladiador, ganándose su confianza. Pero Krios es aprisionado por Cadmo, quien después de algunos duelos y luchas, lo libera. Krios vuelve al frente de unos titanes, para tratar de vencer al potente Cadmo, y rescatar a la princesa, de quien, además, se ha enamorado. (FILMAFFINITY)

He aquí otro caso de director curioso. Tessari empezó de guionista escribiendo múltiples historias para la industria del “péplum” (o sea películas de romanos y mitológicas típicas del cine italiano de la época). Y naturalmente debutó con otro film de las mismas características. Aunque resulto ser bien diferente al de la media. Haciendo gala de un excelente sentido del humor –algo de lo que hizo gala en prácticamente toda su carrera- pone en pie una obra maestra del “péplum”, y además descubre a uno de los actores más carismáticos del cine de género: GIULIANO GEMMA.

Utilizando una historia sacada de la mitología griega consigue darle la vuelta, y sin perder nunca la esencia, nos muestra una película de aventuras y acción de un ritmo trepidante, y con una falta de perjuicios total, lo que convierte a estos TITANES en un ejemplo de lo que podría haber sido el “péplum” si se lo hubieran tomado mas a guasa. Es cierto que maestros como Mario Bava, también dieron muestras de un cierto regusto por la mezcla de géneros en su HERCULES EN EL CENTRO DE LA TIERRA, sin embargo Tessari lleva la broma justo al límite mismo, pero sin traspasarlo. El gran PEDRO ARMENDARIZ (¡Desde Rusia con Amor!) crea un malvado divertidísimo, y las dos mujeres ANTONELLA LUALDI y JACQUELINE SASSARD se nos muestran bellas y medio desnudas sin pudor y siguiendo el juego marcado por el director. Los efectos especiales son pobres, pero son tan evidentemente patilleros que tienen muchísima gracia. Y la historia es tan curiosa y extravagante que resulta simpática e interesante.

Tessari, que siguiendo el juego de demostrar que con 3 películas magnificas ya se debe entrar en el Olimpo de los directores maestros, nos ofreció a lo largo de su carrera alguna más que tres ejemplos de lo que se puede hacer con imaginación cuando se tienen pocos recursos. Naturalmente que tiene títulos absolutamente olvidables, pero vamos a remarcar y quedarnos con cuatro (ademas del que hablamos), para mí, de los más interesantes y de imprescindible visionado para cualquier cinéfilo que se precie, y sobre todo para cualquier amante del CINEMA BIS como dicen los franceses, o de la SERIE B como las llamamos aquí.

EL PROCESO EN VENECIA, ASESINADA AYER, UNA MARIPOSA CON LAS ALAS ENSANGRENTADA y TONY ARZENTA, son otras muestras del genio de Tessari, un director a redescubrir a través de estas películas que simbolizan lo que era la industria cinematográfica en la Europa de los 60 y 70, una industria fuerte que plantaba cara sin complejos a las películas americanas y que en muchas ocasiones incluso las ganaba en calidad y diversión por goleada.

A no perderse este grandioso divertimento que es LOS TITANES, a la que hay que acercarse sin miedo, y sabiendo lo que te va a ofrecer, que es bastante mejor que las bazofias de esas FURIAS DE TITANES que se perpetraron no hace mucho en donde no existe ni un gramo ni de fantasía ni del cine que puede disfrutarse en ARRIVANO I TITANI.

TRAILER y DUCCIO TESSARI:
http://www.youtube.com/watch?v=eJBK62Rbexg

PANICO EN EL TRANSIBERIANO

PANICO EN EL TRANSIBERIANO 

(Horror Express) 1972 Dir.: EUGENIO MARTÍN.

El cuerpo de una criatura de naturaleza desconocida encontrado en Manchuria por el Profesor Saxton, un científico inglés, es trasladado a Londres a bordo del ferrocarril transiberiano. Comienza así un viaje que estará plagado de intrigas y muertes a raíz de la resurrección del monstruo que se revela extraterrestre. (FILMAFFINITY)

Considero al director EUGENIO MARTÍN como uno de los mejores directores del cine español, vaya a la altura casi de Antonio Isasi y de J. A. Bayona. Y es que en una industria en la que una persona como Martín es capaz de deslizarse como pez en el agua en las arenas pantanosas del cine de terror, el “espagueti western”, las de piratas, el thriller,  el musical, la comedia o el drama y salir airoso de todas las empresas y en algunos casos con matrícula de honor, no me cabe más remedio que aplaudirle y rendirle pleitesía eterna por hacerme pasar tan buenos momentos delante de una pantalla de cine.

Puedo contar hasta 3 obras maestras de este desconocido –para la mayoría- director: “HIPNOSIS”, “EL PRECIO DE UN HOMBRE” y “UNA VELA PARA EL DIABLO”, además, naturalmente de “PANICO EN EL TRANSIBERIANO”. Y no he puesto “LAS LEANDRAS” simplemente porque el material con el que contaba no estaba a la altura, pero como musical hispano no está nada mal. Muchos directores con menos trayectoria y sin ninguna película tan buena como las que comentamos han conseguido mucho más nombre, pero todo es cuestión de tener amigos en sitios claves… o de haber sido antes crítico que director, lo que abre muchas puertas a la publicidad. No es el caso de nuestro insigne EUGENIO MARTÍN, que de su notan larga filmografía bastantes de sus películas son perfectamente olvidables, pero de las nombradas son para colocarlas en cualquier antología.

He aquí alguna criticas de esta maravillosa película que tuve la suerte de ver, y aplaudir, el día que se estreno el Festival de Sitges y que nos dejó a todos entusiasmados.

El típico horror clase B, pero con grandes ambiciones para la época de realización.

Una película que apunta a mezclar la fantasía con el terror más retorcido que pueda escapar de la mente humana.

Lo meritorio, es que a pesar de su bajo presupuesto que se evidencia a las claras, la película está bien conseguida en rasgos generales.

Basada en un elenco de lujo donde ya el peso específico de sus actores crean de por sí una atmósfera lúgubre y tenebrosa, magnífico desde los protagónicos.

Lo que realmente se destaca en el filme es su estética, su ambientación, e indudablemente las interpretaciones descollantes.

Sí, quedé sorprendido y realmente este filme merecería ser mejor reconocido, por varios motivos:

Las interpretaciones, convincentes y llenas de realismo.

La ambientación, atmósferas tensas y asfixiantes que surgen de un relato de situaciones inquietantes. La escenografía logra dar un clima óptimo para desarrollar un relato de terror.

La trama en sí, si bien no es la gran cosa, está básicamente sustentada en un rebusque cientificista donde los conceptos que se manejan son realmente bien pensados, aunque algo forzados en cierto sentido para mi gusto.

 No es fácil combinar la fantasía con el horror, pero este filme constituye un híbrido bien logrado, donde al menos poseemos una equilibrada dosis de suspense y expectación.

 Una obra con un clímax magistral, donde el dúo Lee y Cushing justifica ya su visionado de carácter obligatorio para los nostálgicos amantes del terror clásico. (Alberto Yaya –Argentina-)

Lo más destacado es que está en un terreno hasta entonces casi inexplorado. Tiene ese aire de película de la Hammer, pero ya con imágenes más duras y mucho más directo en el argumento. Y luego lo complicado que resulta mezclar apropiadamente el terror con la ciencia-ficción, dos géneros que aun cercanos, normalmente se repelen como el aceite y el agua, salvo clásicos del estilo a “Frankenstein”. Y aquí la propuesta resulta convincente.

 En definitiva, una de esas películas casi de culto, para los que nos gustan estas pequeñas obras, y que aun teniendo mil defectos, que los tiene, siempre nos quedaremos con lo bueno, que también abunda. Muy recomendable. (Vircinguetorix –La Pampa-)

Uno de los mejores ejemplos del cine de terror, suspense y fantasía que se rodaba en España en la década de los sesenta y que abanderaba el gran Paul Naschy. Y es que no es moco de pavo reunir en una misma cinta a los dos grandes del cine de terror Hammer como eran el dúo Christopher Lee y Peter Cushing, una pareja que hace que el film gane en personalidad, y por qué no, en categoría. "Pánico en el Transiberiano" es una gran cinta de de serie B, fiel a sus principios, con momentos algo cutres pero que la hacen especial. Se nota en ella que el paso del tiempo le ha hecho mucho daño, pero que más nos da si lo que realmente importa es que nos hace pasar un muy buen rato, entretenido y aplaudible. Así pues quitaros los prejuicios y disfrutarla como se merece. (El minicritico –Tarragona-)

Recordar una y otra vez el mejor dialogo escuchado en una película de SERIE B de lujo, y que pertenece a este film:

CHRISTOPHER LEE: ¿No nos habremos convertido nosotros también en monstruos?

PETER CUSHING: ¿Nosotros? ¡Imposible!

CHRISTOPHER LEE: ¿Por qué?

PETER CUSHIN: ¡Somos ingleses!

A destacar la presencia de dos bellezas impresionantes, y además buenas actrices: SILVIA TORTOSA y HELGA LINÉ. Dos rostros absolutamente desaprovechados de nuestro cine, con una proyección internacional como se demuestra en esta película. Bellas, con talento, sexys e inteligentes, que más se puede pedir.

¡Viva Eugenio Martín!

Aqui toda la pelicula, pero en ingles:

http://www.youtube.com/watch?v=R7fpWt59qDc

IL GIUDIZIO UNIVERSALE (Juicio Universal)

IL GIUDIZIO UNIVERSALE

JUICIO UNIVERSAL (1961) Dir.: VITTORIO DE SICA

Un buen día una voz cavernosa proveniente de más allá de las nubes, anuncia que el Juicio Universal va a empezar a las seis de la tarde. La película muestra las reacciones de todo tipo de fauna napolitana: cínicos, vividores, mujeriegos, pillos, aristócratas, corruptos y corruptores, ladrones, putas y cortesanas. Y, entre ellos, dos adolescentes, que viven su primer amor, sin enterarse de nada.

He ahí una obra, de las llamadas “menores” de uno de los mayores directores de la historia del cine. Por lo que la pregunta obligada seria: ¿De Sica tiene obras menores? Pues sí, tiene algunas, incluso olvidables como “LA CAZA DEL ZORRO” con un Pete Sellers mas desorientado que el mismo Vittorio. 

Pero es que JUICIO UNIVERSAL no es en absoluto una obra menor. Bien, podríamos definirla así si la comparamos con las obras “MAYUSCULAS” del “maestro” como EL LIMPIABOTAS, EL LADRON DE BICICLETAS o la súper-impresionante “DOS MUJERES”.  Pero si la comparamos con otros films de la misma época tendremos una pequeña maravilla, un bomboncito a degustar con suma exquisitez. Además se trata de la más desconocida de sus películas, precisamente por esa valoración que en su día hicieron los críticos nostálgicos del neorrealismo ya acabado. Aquí Zavattini (su guionista habitual) y él mismo juegan a divertirse con el neorrealismo, la manera, la forma, la fotografía… pertenece al género que le encumbró, pero lo mira a distancia, con cierta ironía y sorna… y al final con una gran nostalgia.

Film divertido, sentimental, pero también acido, duro… y aderezado con una fuerte pincelada de autentico surrealismo que casi le coloca en la órbita de un Buñuel (pero con otro sentido del humor).

El film está estructurado en historias cortas que se van solapando a través del hilo conductor que es esa voz que nos va recordando que a las 6 de la tarde será el juicio universal. SORDI brilla por encima del bien y del mal. Su historia es con diferencia la mejor, la más potente, la más irónica y al tiempo la que más te atrapa. Siendo como soy un admirador confeso del gran Alberttone no puedo más que rendirme a su magia, a su forma de interpretar cualquier tipo que se ponga en medio, y en este caso, abandona el pobre hombre, el ingenuo, el idealista, para convertirse en un malvado de una crueldad tremenda, que vive su terrorífica existencia de la manera más simple y normal posible. Para él no existe el fin del mundo, porque cada día ya lo es.

Gassman, en un personaje prácticamente episódico, aparece y, nunca mejor dicho, desaparece. Jack Palance, Anouk Aime, Akim Tamiroff, Ernest Borgnine, Fernandel… ¡Domenico Modugno! (¡¡¡Volare!!!). Y hasta aparece nuestro Jaime de Mora y Aragón.  Y los habituales: Manfredi, Mangano, Rascel… y Franco Franchi y Ciccio Ingrassia… Lino Ventura… Ufff solo por ver a todos estos GRANDES INMORTALES ya vale la pena ver la película. Pero es que además es de las que se disfruta a cada momento.

A no perderse esta GRAN obra “menor” de un hombre todo terreno que sabía muy bien lo que se hacía.

TRAILER:

http://www.youtube.com/watch?v=sDZm6G7Vcb8

ORGULLO

ORGULLO 

(1955) Manuel Mur Oti

Historia de dos familias, los Mendoza y los Alzaga, enfrentadas durante generaciones por el agua de un río que separa sus fincas colindantes. Tras años de ausencia, Laura Mendoza regresa a casa y se enamora de Enrique de Alzaga. Cuando están a punto de casarse, resurge el problema de la sequía, lo que reaviva viejos rencores y hace estallar de nuevo la guerra entre las dos familias. (FILMAFFINITY)

Curioso el personaje de MANUEL MUR OTI, un director absolutamente olvidado de nuestra cinematografía, que en su corta carrera –solo 17 títulos en 26 años- realizo, escribió y creó una serie de films a cual más ambicioso, y cual más interesante. La labor de la Filmoteca, que es muy interesante, no se ve compensada con otra labor que debería acometer de una vez Televisión Española, y es la de ir mostrándonos la historia de nuestro cine desde la perspectiva de todo aquellos que hicieron películas que iban mas allá de lo simplemente folclórico o simplemente cómico, como se empeñan en demostrarnos en esa cosa llamada: CINE DE BARRIO. Porque en España había un cine que era algo más que el de Paco Martínez Soria, un cine valiente y transgresor, que sin embargo buscaba también la comercialidad y la complicidad del público.

ORGULLO es una muestra de un cine posibilista que nunca llegó a desarrollarse y que encontró en Mur Oti un autentico pionero. Dejadme de nuevo que sean otros los que cuenten mejor que yo, porque considero ORGULLO una joya desconocida de nuestro cine:

“Se me hace incomprensible que este peliculón haya pasado desapercibido en la historia del cine español. Y eso más allá de los gustos de cada cual. Porque no es precisamente ésta una producción modesta. Es bastante ambiciosa la película, y encima cumple. El género es extraño, hay que verla. Es una especie de western hispano con aires goyescos pero en pleno siglo XX. Historia de pasados y pasiones. De caciques orgullosos. De amos y siervos. De tierra y agua. De ganado y bestias. De garrotes y estacas. De la España negra y reseca. Tremenda. Encima la protagonista es una mujer, Laura Mendoza, una niña rica que vuelve de París para hacerse cargo de la finca de su madre. Bueno finca, eso parece una posesión medieval, un ducado por lo menos. Y se reencuentra con el pasado de la familia y su rivalidad con los terratenientes de enfrente, los Alzaga. A la manera de los Montescos y los Capuletos se desatan unas pasiones que contaminan a los siervos, que sumisos se alinean con las respectivas familias. Es de destacar el lenguaje de campo, bello y recio, que se utiliza en los diálogos. Y todos hablan con una dicción perfecta. La podría haber filmado perfectamente Ford o Wellman, pero no; firma Manuel Mur Oti, un olvidado vigués de vida pícara y apasionante que emigró a Cuba y volvió para desparramar su genialidad en obras como ésta. Hay escenas que realmente es de lo mejorcito que puede ver uno del cine español. Impresionante.” (Gilbert –Barcelona-)

“Que películas como  esta tengan la misma nota media que Torrente dice mucho sobre la cultura cinematográfica de este país de pandereta. Luego oímos los lamentos de la industria, cuando la política de subvenciones y la gestión del cine en la televisión pública vienen gangrenando al público desde hace más de una década. Lo que hay es desconocimiento del buen cine que tenemos y hemos tenido. Y si alguien me dice que aquí no sabemos hacer cine, le remito inmediatamente a esta película. Una superproducción (sí, aquí también hemos tenido de eso) rodada en los bellos parajes leoneses de Riaño (lugar que conozco por veranear muy cerca), con una exquisitez técnica e interpretativa pocas veces vista en la historia del cine español. De hecho, si no fuera por la fisonomía de los protagonistas, cualquiera diría que estaba rodada en Wisconsin. A los mandos tenemos a Mur Oti, un director que desde ya pasa a mi lista de cineastas a descubrir. Su despliegue técnico a lo largo de la película es sobrecogedor: primerísimos planos, picados, contrapicados, travellings horizontales... La fotografía es asimismo alucinante, destacando el juego de luces del final con la pareja abrazada, la llegada de los campesinos al lago o el rostro lloroso de la protagonista al descubrir que ha llegado "tarde" a casa. Interpretativamente, todos los actores brillan a una altura descomunal, tanto por dicción como por interpretación. ¡Qué manera de representar el odio la de Cándida Losada (la madre)! ¡Qué metamorfosis la de la hija pijilla (Marisa Prado) a mujer implacable! “ (Tantra)

“En el momento en que escribo este comentario, apenas 59 usuarios han votado esta película, circunstancia muy ilustrativa de uno de los mayores males del cine español, que no es otro que el desconocimiento. ¿Cómo justificar de lo contrario que un filme de la calidad de éste sea tan ignorado? Yo no me considero ni mucho menos un "conocedor" del cine español, pero hasta hace poco creía haber visto lo fundamental del mismo; sin embargo, desde hace un par de años, he descubierto películas fantásticas o cuando menos interesantes de las que ni siquiera había oído hablar, y que jamás había visto programadas en televisión.” (QuaterMain 80 –Madrid-)

“Partiendo de una historia tan antigua como la injusticia, como es el enfrentamiento entre dos familias (en este caso terratenientes ganaderos enfrentados por intereses que por atávico orgullo primaron sobre la proyectada boda de los padres de nuestros protagonistas), ambientada en la dura y negra España de la posguerra, localizada en un duro y árido (como el alma de sus gentes) pueblo castellano en el que el rio es fuente de vida y el enamoramiento entre los hijos de aquellos que dieron lugar a tan tensa situación (murieron empleados de ambas familias en el conflicto inicial defendiendo más que el honor de sus amos, la mano que los da de comer), ella, Laura (Marisa Prado), recién llegada de Paris a donde su madre Teresa (Cándida Losada), una dura y recia mujer que a la muerte de su marido se hizo cargo de la inmensa finca, la mando a cultivarse, y el, Enrique Alzaga (Alberto Ruschel), hijo del patriarca de la familia enemiga, Don Enrique (Enrique Diosdado), que lleva la finca junto a este. Con estos mimbres, el excelente director Manuel Mur Oti a través de su inconfundible y acertada mirada a la hora de retratar las ancestrales costumbres por las que se rigen la gente del campo, las cuales tienen para estos mas ascendiente que la más justa ley escrita por jurista alguno y a través de esos extraordinarios enfoques mezcla de expresionismo y neorrealismo (solo por la escena inicial en la que vemos a la madre esperando a la hija en el andén del tren mientras este se acerca soltando vapor hasta que llega a su altura y la envuelve con este sin que ella mude la expresión está justificada el visionado) repito, con estos mimbres tenemos como resultado una magnifico retrato de aquella España que tan bien nos describía Antonio Machado en “Campos de Castilla” (con unas escenas de la pelea entre las 2 facciones dignas de “Pelea de campesinos” de Goya), en la que a través de un excelente guion escrito por el mismo en colaboración con el mexicano exiliado en España, José Suárez Carreño (finalista y ganador del premio Nadal respectivamente, Oti con su única novela publicada, “Destino negro” y Carreño con “Las últimas horas”), un desarrollo de la trama en evidente y brillante clave de western (con escenas que te ponen los pelos como escarpias, sin ir más lejos el primer enfrentamiento entre los otrora novios y sus secuaces en la linde) unos magníficamente retratados paisajes (gran parte de la cinta está rodada en los Picos de Europa y en el antiguo pueblo leonés de Riaño, hoy sepultado bajo las aguas de un embalse y lugar de nacimiento de Imanol Arias) y un casting en estado de gracia (especialmente Cándida Losada y Marisa Prado que realizan unos de los mejores retratos de mujer dura y desgarrada que he visto en un pantalla), nos da como resultado una autentica obra de referencia. Absolutamente recomendable.” (Tiznao –Madrid-)

A todo esto solo me queda constatar lo realmente desconocido que es para muchísimos de los que se autodenominan cinéfilos, las mejores películas de nuestro país, que se alejan de los ya consabidos (y no por ello menos maravillosos) Berlanga, Bardem y Buñuel.

A verla sin falta y a disfrutarla como si fuera un John Ford o un Howard Hawks. Aunque quizás para llegar a la altura de estos maestros, para mi gusto, solo le falta un poco de sentido del humor… entonces ya seria perfecta.

Clip de la pelicula:

http://www.youtube.com/watch?v=EVjEBL5iZM4

UN TÉMOIN DANS LA VILLE (Solo un testigo)

UN TÉMOIN DANS LA VILLE

(Solo un testigo) 1959 Dir.: EDOUARD MOLINARO

Un hombre traumatizado por el asesinato de su esposa, se aboca a la búsqueda del asesino, que resulta ser un amante de su mujer. En su pesquisa, encuentra y mata al sujeto, siendo su crimen presenciado por un taxista. En su afán de quedar impune, el protagonista se pone tras la pista de este eventual testigo. (FILMAFFINITY).

Esta película la vi en TVE cuando yo debía tener unos 13 o 14 años y me impactó muchísimo. Estuve intentando encontrarla cuando aparecieron los VHS, pero nada, ni rastro. Luego con los DVD me ha ocurrido lo mismo, sin embargo, gracias a la maravilla del internet, he conseguido recuperarla y verla de nuevo 40 años después. En algunas ocasiones recuperar películas que te han dejado un buen recuerdo cuando eras niño o adolescente es un mal asunto, pues el tiempo, suele ocurrir, juega en contra del film. En este caso concreto, el tiempo ha jugado absolutamente a favor, y me ha devuelto una cinta maravillosa, un “polar” en estado puro, en blanco y negro, sin concesiones, con una trama potente que va a más, y con un LINO VENTURA que puede con todo. 

Claro, cuando uno se pone a investigar sobre este “film noire” se encuentra que está basado en una novela de Pierre Boileau, cuyas historias han sido llevadas al cine prácticamente todas, incluyendo sus obras maestras: “LAS DIABOLICAS” y “VERTIGO” (si, si la de Hitchcock). 

Luego si nos detenemos ante un director tan “artesanal” (¡y cómo me gusta esta palabra aplicada al séptimo arte!) como Edouard Molinaro vemos que es un tipo todo terreno (y que empezó su andadura como actor) dejando tras de sí un reguero de obras imperecederas como: “OSCAR, UNA MALETA DOS MALETAS, TRES MALETAS”, “LA JAULA DE LAS LOCAS” (“VICIOS PEQUEÑOS” en España) o “EL EMBROLLON” (juro hablar de esta película próximamente). Pero es que además a sus 77 años aún estaba en activo realizando la serie policiaca: “NAVARRO”. 

SOLO UN TESTIGO, arranca ya enganchándote, y es que ante nosotros se perpetra un “crimen perfecto”… solo que el asesino, cree que hay un testigo… y ese testigo, la verdad, es que no tiene ni idea de que existe ni un crimen ni un criminal… pero la conciencia del culpable es el que acaba perdiéndole. No es un film moral, en absoluto, a pesar de lo que pudiera parecer, es una historia que podría haber escrito Simenon, es sobre la brutalidad del ser humano. Las escenas finales con la flota de taxistas de Paris en busca del asesino son impactantes y de un suspense que te mantiene aferrado a la silla.

Parece increíble que films como este permanezcan casi inéditos en nuestro país, cuando en Francia es casi una cinta de “culto”. Esperemos que alguien se anime a editarla en DVD o que el canal 8 acabe emitiéndola en versión original con subtítulos que es cuando se disfrutan más las películas.

De Lino Ventura, tendremos ocasión de hablar en más ocasiones, no en vano fue uno de los 4 grandes de los “polar” franceses con Gabin, Delon y Belmondo. Buscad y disfrutar de esta joya tan y tan desconocida.

La película completa en francés:
http://www.youtube.com/watch?v=UNtSgKz9ues

Entrevista a LINO VENTURA
http://www.youtube.com/watch?v=gJm9Sm8RpOQ

NON SI SERVIZIA UN PAPERINO (Angustia de Silencio)

NON SI SERVIZIA UN PAPERINO

(Angustia de Silencio) (1972) (Don't Torture Donald Duck) Dir.: Lucio Fulci.

Los habitantes de Accendura, un pequeño pueblo de la región Lucania, están aterrorizados por las andanzas de un misterioso asesino que mata a niños... (FILMAFFINITY)

Ante tamaña obra maestra, absolutamente desconocida por el gran público, aunque no para los expertos y curiosos amantes no solo de los films de Serie B, sino de los “giallos” y cine italiano en general, esta es una pieza de “culto” absoluto.

Lucio Fulci, es, sin duda, un director muy, muy irregular, pero cuando la acierta hace un bingo a la primera. Es cierto que ha sido un personaje muy polémico, sobre todo en los últimos años de su extraña carrera, pero también lo es que hay al menos 4 películas en su haber que pueden dejar asombrados a más de uno. Curioso hombre de cine que empezó con comedietas al servicio del inmenso TOTÓ o de los mas bien penosos Franco Franchi y Ciccio Ingrassia (inolvidable: ¡Voglio una donna! de Amarcord) o de films musicales para mayor gloria (o no) de jóvenes cantantes como Mila, Celentano o Tony Dallara. Ninguna de estas películas pasara a la historia y, a pesar de la calidad de estos interpretes, el cómputo final es bastante mediocre. Luego jugó con el spaguetti western, la comedieta italiana, sorprendió con un film histórico (Beatrice Cenci) en el que empezó a asomar su gusto por la crueldad, el sadismo y la violencia. Pero fue con el “giallo” UNA HISTORIA PERVERSA que pareció encontrar su camino hacia la gloria. Le siguieron otras pequeñas obras maestras del género como UNA LAGARTIJA CON PIEL DE MUJER. Y fue con esta ANGUSTIA DE SILENCIO (estúpido titulo español) donde alcanzó el cielo de los inmortales. Me he permitido copiar algunas partes de críticas de aficionados donde explican mejor que lo pueda hacer yo la excelencia de esta obra imborrable:

Brillante laberinto de espejos deformantes, caluroso y alucinado ejercicio de suspense, el film de Fulci no se detiene en los zarpazos de estilo: construye, con la ayuda de Gianfranco Clerici, un diabólico guión que no para de zarandear al espectador de un sospechoso a otro, de una hipótesis a la siguiente. Para suponer y descartar y volver a suponer. Sin caídas de ritmo, también sin excesiva coherencia y abusando de las casualidades, sí, pero atrapando con ello al espectador, jugando al engaño con ingenio como todo buen giallo que se precie. Como tal, su resolución será de un delirante que sólo puede esconder algo triste y amargo: un profundo patetismo. Aunque anterior a sus célebres gores fantásticos, es una obra mórbida y magistral que explora el derramamiento de sangre sin salirse del marco de la realidad, lo que la hace aún más extraña y perturbadora. Además de lírica, dulce, erótica y cruel: otra joya de don Lucio. (Nachete –Málaga-)

Fulci es de aquellos cineastas con los que no caben medias tintas. O lo amas o lo odias. Su forma de entender el cine podrá cautivarte o repelerte, pero lo que está claro, clarísimo, es que jamás te dejará indiferente. Eso, nunca.

Un modélico giallo (para muchos el mejor que se ha hecho nunca) que contiene, al margen de esa ultraviolencia gore que le hizo célebre, todos y cada uno de sus rasgos distintivos. Me estoy refiriendo, como no, al decadente encanto de su puesta en escena, a su tremenda habilidad para crear atmósferas siniestras, a su talante políticamente incorrecto, a su elegante erotismo y a su increíble destreza para materializar pavorosas y delirantes ideas visuales. Aún así, permitidme destacar una secuencia. Sólo una. En ella aparecen cuatro tipos linchando con palos y cadenas a una bellísima bruja gitana. La podéis localizar en youtube y os aseguro que si sois amantes del género terrorífico y no habéis visto aún la peli de Fulci, el poderío de sus imágenes y el brutal contraste logrado con la balada de Ornella Vanoni os empujará inexorablemente a verla. Lo digo por experiencia propia. (Taylor –Terrasa-)

La película tiene una escena de una muerte brutal, muy grotesca, muy de Fulci, pero Lucio era un director tan genial que la convierte en un conjunto de imágenes con una fuerza visual impresionante y que con ese soberbio acompañamiento musical se convierte en uno de los momentos más bellos e inolvidables del film. Fulci era un grandísimo director de atmósferas, y aquí lo demuestra, donde la fotografía, llena de escenarios naturales, brilla con luz propia y a si a eso le sumamos una dirección con bastante garra, hace que la película estéticamente sea digno de mención. (Geckobrother –Gijón-).

Y así podríamos seguir hasta el infinito. Solo recordar el increíble reparto del que dispone el amigo Fulci en esta obra: THOMAS MILIAN, IRENE PAPAS, FLORINDA BOLKAN, BARBARA BOUCHET, GEORGE WILSON. Y este fue su canto del cisne, seguramente algo muy discutible para los seguidores del autor, pero los “gores” que se marcó más tarde para mí son las obras de terror más cómicas de la historia de la SERIE B mundial. Con títulos como: ROMA, AÑO 2072 D.C.: LOS GLADIADORES o NUEVA YORK BAJO EL TERROR DE LOS ZOMBI Fulci fue perdiendo la credibilidad. Y aunque hay que comprender que la mayoría eran trabajos alimenticios, no deja de entristecer que un director capaz de crear una obra como la que hablamos no haya podido seguir deleitándonos con películas parecidas. Si podeis no os perdáis esta ANGUSTIA DE SILENCIO o como dice su titulo original: “NO SE TORTURA A UN PATITO”.

TRAILER:

http://www.youtube.com/watch?v=WnhDP7yYfNc

Entrevista

http://www.youtube.com/watch?v=3aiA3gTr8Rk

Musica

http://www.youtube.com/watch?v=ElwBt9GE2es

LOS TARANTOS

LOS TARANTOS 

(1963) Dir.: Francisco Rovira Beleta.

En la ciudad de Barcelona se recrudece, en un violento enfrentamiento, el odio de dos familias gitanas rivales: "Los Tarantos" y "Los Zorongos". Rafael, el Taranto conoce, en el marco singular de una boda, a Juana, La Zoronga. Los dos jóvenes, envueltos por la magia de la fiesta, se juran amor eterno con un pacto de sangre. Tras una noche de amor, descubren con desesperación que pertenecen a las dos familias rivales. Angustias, la madre Taranta, seducida por el embrujo del baile de Juana, supera el odio familiar, pero Rosendo el padre Zorongo se niega aceptar el enlace. Basada en un obra teatral de Alfredo Mañas, una versión de "Romeo y Julieta" trasladada a una barriada gitana de Barcelona. Nominada al Óscar a la mejor película en habla no inglesa. (FILMAFFINITY)

OBRA MAESTRA se mire como se mire, tan excelente adaptación de ROMEO Y JULIETA como pueda serlo WEST SIDE STORY, quizás sin tanto presupuesto, pero igual de emotiva, rica y original. 

Rovira Beleta un director (artesano como a él le gustaba llamarse) tenía un gusto demasiado exquisito para hacer cine en España. LOS TARANTOS en otras manos no hubiera llegado al grado de perfección que en con él consigue. Porque él fue quien quiso a CARMEN AMAYA y a un jovencito ANTONIO GADES, fue suya la idea de crear una Barcelona gitana, de filmar de manera magistral ritos, creencias, bailes (por favor, solo por ese paseo de Gades por las Ramblas en plena noche, ya se merece un Oscar). Director con tres obras como mínimo a no olvidar (HAY UN CAMINO A LA DERECHA, LOS ATRACADORES y EL AMOR BRUJO).

Creó lo que Saura años más tarde reinventó estilizando al máximo. Y no debía ser fácil para Rovira Beleta vérselas con una historia así teniendo en cuanta las cientos de películas de corte folklórico/flamenco que durante años inundaron nuestras pantallas…y ahí es donde está la diferencia de la mano maestra:como mostrar algo tan conocido dándole un toque original. Diría que el film casi roza el neorrealismo y el documental sin caer ni en la sosería ni en la pedantería… incluso el sentimentalismo y lo romántico se dan la mano con una visión absolutamente cinematográfica, como olvidar ese beso dado en el fondo del mar paraqué nadie sea testimonio de unos amores ilícitos (¿?). Rovira Beleta era un caballero, un hombre noble, un gran artista que el tiempo y la industria no apoyó demasiado, pero no hay que olvidar que sus TARANTOS fueron la primera película que representaron a España en los premios de los Oscars… y que la repercusión que la película tuvo fuera de nuestras fronteras fue inmensa, relanzando el flamenco con una nueva visión, alejándolo de las peinetas y los faralaes de siempre. 

De visión obligadísima para todos los amantes del musical, y para demostrar que no solo en América se pueden hacer… y aunque este camino abierto no tuvo demasiado seguimiento (quizás el mismo Rovira con EL AMOR BRUJO… y pocas más) se ha ganado con absoluto honor un espacio en letras de oro en el mundo del musical cinematográfico. Recordar que se hizo un penoso remake en 1989 dirigida por un Vicente Escrivá en horas bajas, que nunca hará olvidar el original. 

La hermosa Sara Lezana y el galan - y malogrado-  Daniel Martin estaban perfectos en la pareja de enamorados, que al parecer llevaron más allá de las pantallas durante un tiempo. En personajes secundarios no hay que olvidar a MARGARITA LOZANO, actriz que acabó exiliada a Italia labrándose lo que hoy se llamaría una carrera internacional con películas firmadas por Vittorio de Sica, Ermano Olmi o los Taviani… pero claro, entonces los actores no era objetos de feria y solo era trabajadores del espectáculo. 

Y para los muy curiosos y un poco “frikis” (entre ellos estoy yo) destacar que el director de fotografía y cámara de LOS TARANTOS es ni más ni menos que el más tarde director de culto de las serie B italianas: MASSIMO DALLAMANO (¿Qué habéis hecho con Solange?). En fin que es un placer recordar, hablar y volver a visionar una joya como esta que un día hizo grande a la cinematografía catalana y por ende la española.

Pelicula entera:

http://www.youtube.com/watch?v=T7Re1kKCmcU

I TRE VOLTI DELLA PAURA (Las 3 caras del Miedo)

I TRE VOLTI DELLA PAURA 

(Las 3 caras del miedo) 1963 Dir.: Mario Bava

Tres cuentos de terror con mujeres amenazadas por llamadas misteriosas, vampiros en las estepas rusas y sangrientas venganzas: 

"El teléfono": una mujer, que vive sola, comienza a recibir inquietantes llamadas. Al otro lado del teléfono, una voz masculina profiere amenazas de muerte y de deseo. Aunque, en principio, todo parece una broma... 

"Los Wurdalak": el viajero ha encontrado el cadáver de un hombre apuñalado. También una sombría mansión y, entre sus habitantes, una bella mujer. Y esa noche se cumple el plazo: si el señor del lugar regresa pasada la medianoche vendrá convertido en Wurdalak, horrible ser sin vida que se alimenta de la sangre de sus víctimas...

"La gota de agua": una anciana espiritista muere mientras intentaba comunicarse con el Más Allá. La enfermera que la atendió roba un valioso anillo al cadáver. A partir de ese momento sufrirá la venganza de la difunta... (FILMAFFINITY)

Estamos ante un caso excepcional: MARIO BAVA. Director todo terreno, artesano, director de fotografía, montador, guionista, creador de efectos especiales, director de segunda unidad en films internacionales. Un hombre forjado en la SERIE B pura y dura, acostumbrado a realizar trabajos que exigían grandes dosis de imaginación ya que el dinero ni existía. Amante del cine, nunca pudo darse el gusto de hacer la “GRAN” película, y sin embargo muchas de sus “pequeñas” películas son mejores y más ricas que muchas superproducciones en donde hay dinero a mansalva. 

Quizás esta circunstancia, de trabajar en absoluta podredumbre, fue la que le incitó (y obligó) a trabajar desde la nada para hacer que su buen hacer, en todos los campos, reluciera con una desbordante imaginación. Profesional a prueba de bomba abordaba todos los temas, pero era aquellos en donde la fantasía predominaba donde su talento brillaba con más fuerza. Muchos cineastas de culto de hoy han copiado, y hasta diría que calcado, con más presupuesto claro está, las magnificas ideas de Bava en sus puestas en escena. “TERROR EN EL ESPACIO” no es más que una anticipación de lo que luego sería ALIEN, incluso con sorprendentes coincidencias en su tratamiento. La excelente lucha final con escenas submarinas de LA BATALLA DEL MARATHON se debe a Bava por mucho que la firme Jacques Tourneur. En fin que si lo que pedían los cineastas rebeldes franceses era que los directores fueran “autores”, Mario Bava cubre de sobras con la palabra y sobre todo con los hechos.

LAS TRES CARAS DEL MIEDO es una pequeña obra maestra del género de terror, y de la SERIE B en general, una película nunca superada y que aún hoy si se vuelve a visionar te deja el miedo en el cuerpo. Son tres historias de tratamiento, estética y visión distinta de tres formas de ver el terror. Suele decirse que la primera de las historias es la más floja, pero estoy en absoluto desacuerdo, es perfectamente lógica y muy bien colocada en primer lugar. Es una clara anticipación del género llamado “giallo”, el miedo a lo desconocido, al no saber que ocurre, el miedo a los ruidos, a los silencios. Es el miedo a nosotros mismos. Y Michele Mercier esta estupenda (y guapísima). La segunda historia es el miedo real, el que vemos, el que conocemos, el de las leyendas que ya sabemos y nos han contado. Es plantarse de cara con el terror autentico sin poder hacer nada. Una historia de vampiros inspirada en un cuento de Guy de Maupassant, en donde el maestro Boris Karloff nos hiela la sangre cada vez que mira fijamente a la pantalla. 

Terror gótico en la mejor tradición del cine italiano de los 50 (homenaje implícito a su maestro Riccardo Fredda). La tercera historia es el cumulo de las otras dos, es la sublimación del terror, por eso esta escalada lenta del miedo, del primer al último episodio. El miedo al más allá, a nuestros propios remordimientos, a nuestras obsesiones y maldades ocultas. Terror en estado puro. Con esta historia no pude pegar ojo en bastante tiempo. Aún hoy me estremezco al pensar en ella.

Cine de cartón piedra que no busca el engaño sino la complicidad, que es la base de todo el cine de Serie B, hacer cómplices al espectador de las mentiras e historias que nos cuenta un magnifico narrador para hacernos creer que son ciertas. Mario Bava, un autentico fuera de serie, olvidado constantemente en la historia del cine a favor de otros que con mayores presupuestos lograron menos.

Trailer

http://www.youtube.com/watch?v=QI9zFsknIPg

Pelicula entera con subtitulos en español:

http://www.youtube.com/watch?v=uXSRTbOEUxw