EL PRESIDENTE (1961)

EL PRESIDENTE

 (Le président) 1961 

Dir.: HENRI VERNEUIL

Se trata de una historia de tintes políticos que tiene lugar cuando Émile Beaufort, un antiguo primer ministro de Francia, retirado en una villa, se dispone a escribir sus memorias. Cuando estalla en el Elíseo una crisis de gobierno y se nombra como primer ministro a uno de sus rivales políticos, Beaufort decide regresar al primer plano de la escena política. (FILMAFFINITY)

De nuevo vuelvo a reivindicar el nombre denostado de Henri Verneuil, un director de los llamados artesanos de forma despectiva. Sin embargo sostengo sin miedo a posibles represalias intelectuales a definirlo como un autentico “auteur”, un cineasta y guionista con un discurso propio y bien definido, quizás debido a sus orígenes armenios y su consiguiente éxodo familiar. Para mi alguien que ha dirigido al menos tres obras cinematográficas imprescindibles entra de lleno en el cielo de los grandes “maestros”, aunque no sean conocidos ni valorados como los Welles, Renoirs, Mizoguchis, Truffaut y demás maravillosos autores. 

Y Verneuil, siempre desde mi humilde punto de vista tiene al menos estas tres: “GRAN JUGADA EN LA COSTA AZUL”,”UN MONO EN INVIERNO”, “FIN DE SEMANA EN DUNKERQUE”…y sobretodo la que hoy comento: “EL PRESIDENTE”. Y para no dejar nada en el tintero aclaro que tiene alguna obra semi-maestra como “EL CLAN DE LOS SICILIANOS” o “LA HORA 25”,y naturalmente, como todos los considerados excelsos autores, bastante obra menor, pero no exenta de ciertos valores cinematográficos.

EL PRESIDENTE debería volverse a estrenar hoy en día en todos los cines del mundo para entender lo que en política estamos viviendo hoy en propia carne. El magnífico JEAN GABIN interpreta a un político honrado, rodeado de una jauría de lobos financieros que quieren quedarse con todo lo que puedan del ciudadano de a pie. El argumento es sólido, y el guión no se anda por las ramas, al igual que el personaje protagonista. Quizás la obra realizada en el 1961 se adelantó a su época. Aún que fue un gran éxito de público en Francia y aquí fue vista con cierto cariño, sobre todo por los que perdieron una guerra y vieron en este Presidente al que hubieran querido tener en su día. Sin falsos sentimentalismos, ni historias amorosas que pudieran lastrar su línea argumental, el film explota en el contundente discurso que Gabin realiza en el Parlamento francés ante sus contrincantes. 

Un final decididamente valiente, aunque previsible, no lastra una realización absolutamente elegante, funcional y solvente, al igual que las interpretaciones de todos los actores, con Gabin al frente y con un extraordinario BERNARD BLIER como segundo de a bordo que no le va a la zaga al viejo actor. 

BLIER, padre por cierto del director BERTRAND BLIER (“Los rompepelotas”), fue siempre ese secundario de lujo que los franceses valoran casi tanto como a sus protagonistas. Inolvidable en el film de Germi/Monicelli: “AMICI MIEI” como el bobalicón al que los grandes amigos dirigen constantemente sus bromas y puyas. Grande BLIER, otro actor a reivindicar.

De visión obligada y película altamente recomendable como todas las citadas de Verneuil, un autor que tuvo la mala suerte de no estar en las barricadas del Mayo francés y hacer un cine comercial para todos los públicos.

PARA VERLA, AUNQUE SEA EN VERSIÓN FRANCESA:

https://www.youtube.com/watch?v=jnrRmLauZfY

EL CEBO (1958)

EL CEBO

(1958)

Dir.: LADISLAO VAJDA

Una niña aparece asesinada en el bosque de un pequeño pueblo suizo. Inmediatamente las sospechas recaen sobre el viejo vendedor ambulante que encontró el cadáver. Únicamente el comisario Matei duda de su culpabilidad, pero se acaba de retirar y deja el caso en manos de un compañero. Mientras tanto, el anciano, incapaz de resistir la situación, se suicida en su celda. Ya en el aeropuerto, a punto de coger un avión, el comisario Matei repara en algunos detalles contados por los niños de la escuela y decide aplazar su viaje para empezar a investigar por su cuenta. (FILMAFFINITY)

Nacido con el nombre de László Vajda Weisz, fue hijo del popular actor, director y escenógrafo Ladislaus Vajda. Comenzó su carrera como guionista en el cine mudo austriaco y alemán trabajando como montador en los años 30 junto a nombres como los de Billy Wilder o Henry Koster. En tiempos de la Segunda Guerra Mundial huye primero a París pasando luego a Italia donde dirige dos largometrajes. La prohibición por Mussolini del segundo de ellos, Giuliano de' Medici (en español Conjura en Florencia) (1941), con la gran Conchita Montenegro, motiva que se traslade a España, donde se asienta.

Sin duda, fueron los años 50 los de su mayor esplendor artístico. En las películas de esta etapa podemos observar la clara influencia del realizador alemán Fritz Lang sobre todo en sus sugerentes atmósferas, su gran nervio narrativo y una estética derivada del expresionismo alemán que nunca abandonó. Los principales títulos de esta época son: Carne de horca (1953), con Pepe Isbert; Marcelino pan y vino (1955) y Mi tío Jacinto (1956) con Pablito Calvo; Tarde de toros (1956) y Un ángel pasó por Brooklyn (1957), filme igualmente pensado para el lucimiento de Pablito Calvo, el cual contó con Pepe Isbert y el astro internacional Peter Ustinov.

La mayoría de la filmografía de Vajda gozó de un gran favor popular y de crítica: Marcelino pan y vino y Mi tío Jacinto consiguieron premios en el Festival de Cannes y el Festival de Berlín; Tarde de toros fue nominada a la Palma de Oro y El cebo al Oso de Berlín.

Durante los años 60, Vajda realizó varias obras menores en Alemania y España. Falleció en Barcelona en 1965 mientras rodaba La dama de Beirut, protagonizada por Sara Montiel.

Uno de los títulos más destacados de Vajda es El cebo (1958), un thriller sobre un asesino en serie de niñas coproducido entre España, Alemania y Suiza y basado en una adaptación de la novela del suizo Friedrich Dürrenmatt, quien además firmó el guion del filme. Años después el autor suizo editaría ese guion en forma de novela bajo el título de La promesa (1958). De la misma historia se han llegado a rodar hasta tres versiones más, siendo la más reciente El juramento (2001) dirigida por Sean Penn y protagonizada por Jack Nicholson. Aunque sinceramente esta última versión hace aguas por todos sitios, más si la comparamos con la primera, o sea la de Vajda.

Un titulo no solo a reivindicar como uno de los más importantes del cine español (a pesar de estar co-producida por Alemania y Suiza) a la altura de EL VERDUGO o CALLE MAYOR.

Es impresionante pensar que aún hoy muy pocos de los llamados cinéfilos conocen esta obra maestra de la cinematografía mundial, a pesar de que incluso se puede visionar entera a través de “you tube”. Sin duda los nombres de sus protagonistas no les llama la atención, a pesar de que HEINZ RUHMAN fue un rostro familiar en nuestras pantallas en las décadas 50 y 60, con un importante éxito a sus espaldas: “EL CAPITAN KOPENICK (de absoluta visión obligada también). 

O del que debería ser mucho más conocido: GERT FROBE, el sin par GOLDFINGER de James Bond. 

Mención aparte merece la aparición del grandísimo MICHEL SIMÓN, una autentica institución del cine francés en un breve pero impresionante personaje.

He ahí algunas opiniones extraídas de la web Filmaffinity que nos puedan dar una visión más general de la importancia del film en cuestión:

“Posiblemente, acababa de visionar el mejor thriller de la historia del cine patrio. Una historia muy bien contada que me atrapó a los cinco minutos y que me obligó a pellizcarme los brazos durante todo el metraje. ¿Seguro que es española? ¿Se habrán equivocado los gerifaltes de la página al colocarle la banderita rojigualda junto al título? ¿Dónde se esconde el dramón, la risa tonta, el ramalazo folklórico, el espíritu cañí...? Mi única referencia sólida, Ladislao Vajda (el de “Marcelino, pan y vino”), no era demasiado esperanzadora, pero muy pronto mis prejuicios iniciales se fueron a tomar por saco. Me encontraba ante un macabro cuento que, lejos de adornarse y pugnar por parecer relevante, se limitaba a narrar con insólito pragmatismo y encomiable agilidad la búsqueda de un sanguinario asesino de niños. Una logradísima combinación entre “Caperucita y el lobo” y “M, el vampiro de Düsseldorf” que me encandiló mucho más que esta última (sí, lo sé: he blasfemado) y que, pese a una leve pérdida de intensidad en su tercio final, logró contagiarme ese clima de angustia y desasosiego tan genuinamente hitchcockiano. Me sorprende, en cualquier caso, la escasísima repercusión que ha tenido un film como “El cebo” a lo largo de su más de medio siglo de existencia. Y es que resulta chocante que se sepa tan poco de esta peli. No he indagado al respecto, la verdad, pero me imagino que su localización y su reparto (eminentemente helvético) no invitaban precisamente a que las autoridades del régimen la promocionaran a bombo y platillo... ¿me equivoco?” TAYLOR (Terrasa)

“Teniendo en cuenta la potencia del cine norteamericano y dejando totalmente clara mi postura sobre el mismo, que no es otra que de admiración y respeto, estoy prácticamente seguro de que si la película que en esta crítica se da cita, "El cebo", hubiese sido una producción de los Estados Unidos, aparecería en más de una lista de esos clásicos que nadie debe perderse antes de morir. Porque está hecha con un estilo visual impecable, cuenta con una transición de escenas sobre las que según van avanzando los minutos, el interés sobre el argumento se ve aumentado. Porque su reparto hace unas interpretaciones bastante buenas y la sorpresa entre los personajes está asegurada garantizando al espectador una película elegante, agradable y con la tensión necesaria, y cuenta con múltiples peculiaridades que son las encargadas de culminar un ejercicio cinematográfico notable que en mi opinión si no llega a la excelencia es por un liviano y previsible tramo final que sin embargo es el idóneo para la trama. Pero la película es española y de un tal Ladislao Vajda (Marcelino, pan y vino, Un ángel pasó por Brooklyn), un realizador enterrado tanto dentro como fuera de las fronteras españolas y al cual, de manera injusta, no se le ha brindado el reconocimiento que se merece por la calidad de las obras que componen parte de su filmografía.” SANDRO FIORITO (Madrid)

“Debe ser de los primeros psycho-thrillers modernos del cine. Vamos, que no tiene nada que envidiar a "El silencio de los corderos", "Seven" y esos éxitos de hoy en día.” GILBERT (Barcelona)

“Buen film de intriga policiaco, mezcla alemán/español, que sigue perfectamente las reglas del género, consiguiendo desde el principio mantenernos enganchaditos, no sólo por la historia, que a veces recuerda a Frankenstein y su margarita, si no por los personajes, seductores, para bien o para mal, y su devenir en la misma. Pero también hay que mencionar a su director, infravalorado, excluido y sin reconocimiento, que utiliza con buen artificio la cámara, haciéndola más tentadora si cabe”. RANXOMARE (Mojácar)

“Un clásico del cine español a redescubrir, precisamente por su singularidad. Poco conocida, trata el caso de un asesino de niñas en serie y su investigación policial en los cantones suizos. Coproducida entre España, Alemania y Suiza, se basa en una adaptación de la novela del suizo Friedrich Dürrenmatt, quien además firmó el guión del film. Podría considerarse como uno de los escasos ejemplos de cine negro español. Me ha parecido que por su singularidad, por la época en que está realizada, por su austeridad, y por supuesto por la habilidad con que está rodada, resulta poco menos que brillante. La película es modélica en cuanto a su dirección. Tiene una primera parte, donde presenta los hechos y la investigación policial espléndida, llena de ritmo, con una puesta en escena sobria pero contundente, en donde está todo muy medido, en un ejemplo de concisión narrativa y excelente utilización de economía de medios. Su austeridad no le impide crear un clima de intranquilidad en la población, logrando un efecto de suspense y desasosiego. La música de Bruno Canfora contribuye a fomentar esta incertidumbre y tensión, aunque en algún momento puede resultar estridente.” GABRIEL (Almería)

Visto lo visto y leído lo leído. No queda más remedio que volver a visionar de nuevo esta maravillosa película del genial Vajda, del cual, sin duda, hablaremos en más ocasiones para descubrir films que en su día pasaron desapercibidos o que el tiempo los ha ido ocultando gracias a unos “estudiosos” críticos cinematográficos que odian todo aquello que pueda sonar a comercial.

Aquí está el enlace para que ustedes disfruten de EL CEBO, si es que aún no la han visto.

https://www.youtube.com/watch?v=PWJHkBPD8bQ

MAFIOSO (El Poder de la Mafia)

EL PODER DE LA MAFIA 

(MAFIOSO) 1962.  

Dir.: ALBERTO LATTUADA

Antonio Badalamenti es un honrado siciliano que trabaja y vive en Milán. Llegada la época estival, decide pasar sus vacaciones en Calenzano, su pueblo natal, situación que aprovecha el director de su empresa para enviar un paquete a Don Vincenzo, el jefe de la mafia local. A partir de ese momento el protagonista se verá implicado en los turbios negocios de la mafia. (FILMAFFINITY)

A Lattuada se le considera sobretodo un descubridor de estrellas: desde Jacqueline Sassard hasta Nastassia Kinski, pasando por Clio Goldsmith. Marina Vlady o la mismísima Silvana Mangano. Sus películas eran vehículos perfectos para incipientes actrices, bellas y jóvenes. Pero este hecho no nos puede hacer olvidar que fue él quien le dio la primera oportunidad a Federico Fellini ofreciéndole a co-dirigir su primer film: LUCI DI VARIETÁ (Luces de Variedades).

Cuando rodo esta maravilla titulada en España “EL PODER DE LA MAFIA” ya era un director consagrado, pero no demasiado valorado, a pesar de tener en su haber éxitos como “ANA” o “SIN PIEDAD”. El caso es que Lattuada no hacía ascos a dirigir cualquier film por bueno o malo que fuera el guión, era un artesano, palabra casi que prohibida también en los círculos intelectuales italianos, quiero decir que no estaba en la onda de Visconti, Rossellini o De Sica (otro mercenario que sin embargo consiguió ser aceptado por el circulo privilegiado).

LATTUADA en esta ocasión recibió el encargo de Dino de Laurentiis para dirigir una obra curiosa escrita nada menos que por Rafael Azcona, Marco Ferreri y los incombustibles Age & Scarpelli, una especie de broma macabra sobre las prácticas de la Cosa Nostra siciliana. Sin embargo Lattuada consiguió reconvertir la broma en toda una declaración de principios en contra de las Mafias locales, el “tono” que empleó estaba más cercano a la tragicomedia que a la comedia desenfadada… y mucho más trágica que dramática. Incluso Francis Ford Coppola copió descaradamente ambientes, personajes y situaciones de esta cinta sin igual para recrear sus “Padrinos”.

Con pulso firme y con la complicidad absoluta de un Alberto Sordi de nuevo en estado de gracia, consigue vapulear a toda una sociedad, la italiana, que aún sabiendo lo que ocurría a su alrededor prefería mirar hacia otro lado. Un film de imprescindible visionado para seguir comprobando como el cine italiano (y Mediterráneo) de los 60 era más creativo, original y arriesgado que TODO el cine que se rueda ahora y que autores/artesanos como LATTUADA necesitan ser revisados por varias generaciones que deberían descubrir un tipo de cine que por desgracia ya no volverá.

E aquí algunas críticas que existen por internet:

Pequeña Joya: Se aplica en esta desconocida película de humor negro (que yo no calificaría de comedia) la famosa máxima de "El Príncipe" de Maquiavelo, en la que se apoya toda la estructura de la Mafia, de que el poder consiste en hacer favores, porque quien los recibe estará ya obligado a devolverlos.  La película tiene una atmósfera casi irreal, de lo "verista" que resulta la descripción de Calamo, y pasa de repente a la tragedia en 5 minutos. Magnífico Alberto Sordi, que borda el acento siciliano (recomiendo encarecidamente ver la película en versión original) y que parece demudado, de repente, en un Don con boina y luppara. Imprescindible para reconocer cómo Coppola copió algunos tics y el "modus operandi" en este inframundo ("No corras, anda tranquilo"). Pequeña y extraña joya, en la que Azcona deja su sello inconfundible con su humor seco y sin florituras. (Dofuir)

¡Qué grandes amigos y guionistas de cine han sido el italiano Marco Ferreri y el español Rafael Azcona! Casi todos sus guiones hechos en colaboración mutua son auténticas joyas cinematográficas: ya "El pisito" (España 1959), "El cochecito" (España 1960), "Se acabó el negocio" (Italia 1964), "La gran comilona" (Francia 1973), entre las principales, y por supuesto este film que nos ocupa ahora, "Mafioso" (Italia 1962). Son guiones caracterizados por su excelente humor negro o descripción humorística de distintas vertientes de la realidad trágica y patética en que nos desenvolvemos los seres humanos. A destacar el ambiente mafioso siciliano, sobre todo el personaje de don Vicenzo, que seguro sirvió de inspiración a Coppola para el montaje del parecido don Vito Corleone en su película "El padrino" (USA 1972). Y también el papelazo de Alberto Sordi, un genial actor de seriedad humorística que para el cine italiano viene a ser similar a lo que José Luis López Vázquez es para la filmografía española.

La película es sorprendente, sobre todo a partir del instante en que el hombre que ha recibido favores del mafioso es solicitado para devolver parte de los mismos; entonces la historia coge un ritmo, una expectación y un interés que nos impide levantarnos del asiento. Una película muy buena, muy especial. (Fej Delvahe)

TRAILER FILM:

http://www.youtube.com/watch?v=hXsel5yyDcQ

ARRIVANO I TITANI (Los Titanes)

ARRIVANO I TITANI 

(LOS TITANES) 1962. Dir.: DUCCIO TESSARI

Zeus envía a Creta a Krios, un titán quizá el menos fuerte de los siete hermanos, pero con diferencia el más inteligente, para castigar a Cadmo, rey que se rebela contra los mandos del Olimpo, y trata de ascender a la categoría de “dios”. Krios llega a Creta y al poderoso rey Minos le impresiona como gladiador, ganándose su confianza. Pero Krios es aprisionado por Cadmo, quien después de algunos duelos y luchas, lo libera. Krios vuelve al frente de unos titanes, para tratar de vencer al potente Cadmo, y rescatar a la princesa, de quien, además, se ha enamorado. (FILMAFFINITY)

He aquí otro caso de director curioso. Tessari empezó de guionista escribiendo múltiples historias para la industria del “péplum” (o sea películas de romanos y mitológicas típicas del cine italiano de la época). Y naturalmente debutó con otro film de las mismas características. Aunque resulto ser bien diferente al de la media. Haciendo gala de un excelente sentido del humor –algo de lo que hizo gala en prácticamente toda su carrera- pone en pie una obra maestra del “péplum”, y además descubre a uno de los actores más carismáticos del cine de género: GIULIANO GEMMA.

Utilizando una historia sacada de la mitología griega consigue darle la vuelta, y sin perder nunca la esencia, nos muestra una película de aventuras y acción de un ritmo trepidante, y con una falta de perjuicios total, lo que convierte a estos TITANES en un ejemplo de lo que podría haber sido el “péplum” si se lo hubieran tomado mas a guasa. Es cierto que maestros como Mario Bava, también dieron muestras de un cierto regusto por la mezcla de géneros en su HERCULES EN EL CENTRO DE LA TIERRA, sin embargo Tessari lleva la broma justo al límite mismo, pero sin traspasarlo. El gran PEDRO ARMENDARIZ (¡Desde Rusia con Amor!) crea un malvado divertidísimo, y las dos mujeres ANTONELLA LUALDI y JACQUELINE SASSARD se nos muestran bellas y medio desnudas sin pudor y siguiendo el juego marcado por el director. Los efectos especiales son pobres, pero son tan evidentemente patilleros que tienen muchísima gracia. Y la historia es tan curiosa y extravagante que resulta simpática e interesante.

Tessari, que siguiendo el juego de demostrar que con 3 películas magnificas ya se debe entrar en el Olimpo de los directores maestros, nos ofreció a lo largo de su carrera alguna más que tres ejemplos de lo que se puede hacer con imaginación cuando se tienen pocos recursos. Naturalmente que tiene títulos absolutamente olvidables, pero vamos a remarcar y quedarnos con cuatro (ademas del que hablamos), para mí, de los más interesantes y de imprescindible visionado para cualquier cinéfilo que se precie, y sobre todo para cualquier amante del CINEMA BIS como dicen los franceses, o de la SERIE B como las llamamos aquí.

EL PROCESO EN VENECIA, ASESINADA AYER, UNA MARIPOSA CON LAS ALAS ENSANGRENTADA y TONY ARZENTA, son otras muestras del genio de Tessari, un director a redescubrir a través de estas películas que simbolizan lo que era la industria cinematográfica en la Europa de los 60 y 70, una industria fuerte que plantaba cara sin complejos a las películas americanas y que en muchas ocasiones incluso las ganaba en calidad y diversión por goleada.

A no perderse este grandioso divertimento que es LOS TITANES, a la que hay que acercarse sin miedo, y sabiendo lo que te va a ofrecer, que es bastante mejor que las bazofias de esas FURIAS DE TITANES que se perpetraron no hace mucho en donde no existe ni un gramo ni de fantasía ni del cine que puede disfrutarse en ARRIVANO I TITANI.

TRAILER y DUCCIO TESSARI:
http://www.youtube.com/watch?v=eJBK62Rbexg

PANICO EN EL TRANSIBERIANO

PANICO EN EL TRANSIBERIANO 

(Horror Express) 1972 Dir.: EUGENIO MARTÍN.

El cuerpo de una criatura de naturaleza desconocida encontrado en Manchuria por el Profesor Saxton, un científico inglés, es trasladado a Londres a bordo del ferrocarril transiberiano. Comienza así un viaje que estará plagado de intrigas y muertes a raíz de la resurrección del monstruo que se revela extraterrestre. (FILMAFFINITY)

Considero al director EUGENIO MARTÍN como uno de los mejores directores del cine español, vaya a la altura casi de Antonio Isasi y de J. A. Bayona. Y es que en una industria en la que una persona como Martín es capaz de deslizarse como pez en el agua en las arenas pantanosas del cine de terror, el “espagueti western”, las de piratas, el thriller,  el musical, la comedia o el drama y salir airoso de todas las empresas y en algunos casos con matrícula de honor, no me cabe más remedio que aplaudirle y rendirle pleitesía eterna por hacerme pasar tan buenos momentos delante de una pantalla de cine.

Puedo contar hasta 3 obras maestras de este desconocido –para la mayoría- director: “HIPNOSIS”, “EL PRECIO DE UN HOMBRE” y “UNA VELA PARA EL DIABLO”, además, naturalmente de “PANICO EN EL TRANSIBERIANO”. Y no he puesto “LAS LEANDRAS” simplemente porque el material con el que contaba no estaba a la altura, pero como musical hispano no está nada mal. Muchos directores con menos trayectoria y sin ninguna película tan buena como las que comentamos han conseguido mucho más nombre, pero todo es cuestión de tener amigos en sitios claves… o de haber sido antes crítico que director, lo que abre muchas puertas a la publicidad. No es el caso de nuestro insigne EUGENIO MARTÍN, que de su notan larga filmografía bastantes de sus películas son perfectamente olvidables, pero de las nombradas son para colocarlas en cualquier antología.

He aquí alguna criticas de esta maravillosa película que tuve la suerte de ver, y aplaudir, el día que se estreno el Festival de Sitges y que nos dejó a todos entusiasmados.

El típico horror clase B, pero con grandes ambiciones para la época de realización.

Una película que apunta a mezclar la fantasía con el terror más retorcido que pueda escapar de la mente humana.

Lo meritorio, es que a pesar de su bajo presupuesto que se evidencia a las claras, la película está bien conseguida en rasgos generales.

Basada en un elenco de lujo donde ya el peso específico de sus actores crean de por sí una atmósfera lúgubre y tenebrosa, magnífico desde los protagónicos.

Lo que realmente se destaca en el filme es su estética, su ambientación, e indudablemente las interpretaciones descollantes.

Sí, quedé sorprendido y realmente este filme merecería ser mejor reconocido, por varios motivos:

Las interpretaciones, convincentes y llenas de realismo.

La ambientación, atmósferas tensas y asfixiantes que surgen de un relato de situaciones inquietantes. La escenografía logra dar un clima óptimo para desarrollar un relato de terror.

La trama en sí, si bien no es la gran cosa, está básicamente sustentada en un rebusque cientificista donde los conceptos que se manejan son realmente bien pensados, aunque algo forzados en cierto sentido para mi gusto.

 No es fácil combinar la fantasía con el horror, pero este filme constituye un híbrido bien logrado, donde al menos poseemos una equilibrada dosis de suspense y expectación.

 Una obra con un clímax magistral, donde el dúo Lee y Cushing justifica ya su visionado de carácter obligatorio para los nostálgicos amantes del terror clásico. (Alberto Yaya –Argentina-)

Lo más destacado es que está en un terreno hasta entonces casi inexplorado. Tiene ese aire de película de la Hammer, pero ya con imágenes más duras y mucho más directo en el argumento. Y luego lo complicado que resulta mezclar apropiadamente el terror con la ciencia-ficción, dos géneros que aun cercanos, normalmente se repelen como el aceite y el agua, salvo clásicos del estilo a “Frankenstein”. Y aquí la propuesta resulta convincente.

 En definitiva, una de esas películas casi de culto, para los que nos gustan estas pequeñas obras, y que aun teniendo mil defectos, que los tiene, siempre nos quedaremos con lo bueno, que también abunda. Muy recomendable. (Vircinguetorix –La Pampa-)

Uno de los mejores ejemplos del cine de terror, suspense y fantasía que se rodaba en España en la década de los sesenta y que abanderaba el gran Paul Naschy. Y es que no es moco de pavo reunir en una misma cinta a los dos grandes del cine de terror Hammer como eran el dúo Christopher Lee y Peter Cushing, una pareja que hace que el film gane en personalidad, y por qué no, en categoría. "Pánico en el Transiberiano" es una gran cinta de de serie B, fiel a sus principios, con momentos algo cutres pero que la hacen especial. Se nota en ella que el paso del tiempo le ha hecho mucho daño, pero que más nos da si lo que realmente importa es que nos hace pasar un muy buen rato, entretenido y aplaudible. Así pues quitaros los prejuicios y disfrutarla como se merece. (El minicritico –Tarragona-)

Recordar una y otra vez el mejor dialogo escuchado en una película de SERIE B de lujo, y que pertenece a este film:

CHRISTOPHER LEE: ¿No nos habremos convertido nosotros también en monstruos?

PETER CUSHING: ¿Nosotros? ¡Imposible!

CHRISTOPHER LEE: ¿Por qué?

PETER CUSHIN: ¡Somos ingleses!

A destacar la presencia de dos bellezas impresionantes, y además buenas actrices: SILVIA TORTOSA y HELGA LINÉ. Dos rostros absolutamente desaprovechados de nuestro cine, con una proyección internacional como se demuestra en esta película. Bellas, con talento, sexys e inteligentes, que más se puede pedir.

¡Viva Eugenio Martín!

Aqui toda la pelicula, pero en ingles:

http://www.youtube.com/watch?v=R7fpWt59qDc

IL GIUDIZIO UNIVERSALE (Juicio Universal)

IL GIUDIZIO UNIVERSALE

JUICIO UNIVERSAL (1961) Dir.: VITTORIO DE SICA

Un buen día una voz cavernosa proveniente de más allá de las nubes, anuncia que el Juicio Universal va a empezar a las seis de la tarde. La película muestra las reacciones de todo tipo de fauna napolitana: cínicos, vividores, mujeriegos, pillos, aristócratas, corruptos y corruptores, ladrones, putas y cortesanas. Y, entre ellos, dos adolescentes, que viven su primer amor, sin enterarse de nada.

He ahí una obra, de las llamadas “menores” de uno de los mayores directores de la historia del cine. Por lo que la pregunta obligada seria: ¿De Sica tiene obras menores? Pues sí, tiene algunas, incluso olvidables como “LA CAZA DEL ZORRO” con un Pete Sellers mas desorientado que el mismo Vittorio. 

Pero es que JUICIO UNIVERSAL no es en absoluto una obra menor. Bien, podríamos definirla así si la comparamos con las obras “MAYUSCULAS” del “maestro” como EL LIMPIABOTAS, EL LADRON DE BICICLETAS o la súper-impresionante “DOS MUJERES”.  Pero si la comparamos con otros films de la misma época tendremos una pequeña maravilla, un bomboncito a degustar con suma exquisitez. Además se trata de la más desconocida de sus películas, precisamente por esa valoración que en su día hicieron los críticos nostálgicos del neorrealismo ya acabado. Aquí Zavattini (su guionista habitual) y él mismo juegan a divertirse con el neorrealismo, la manera, la forma, la fotografía… pertenece al género que le encumbró, pero lo mira a distancia, con cierta ironía y sorna… y al final con una gran nostalgia.

Film divertido, sentimental, pero también acido, duro… y aderezado con una fuerte pincelada de autentico surrealismo que casi le coloca en la órbita de un Buñuel (pero con otro sentido del humor).

El film está estructurado en historias cortas que se van solapando a través del hilo conductor que es esa voz que nos va recordando que a las 6 de la tarde será el juicio universal. SORDI brilla por encima del bien y del mal. Su historia es con diferencia la mejor, la más potente, la más irónica y al tiempo la que más te atrapa. Siendo como soy un admirador confeso del gran Alberttone no puedo más que rendirme a su magia, a su forma de interpretar cualquier tipo que se ponga en medio, y en este caso, abandona el pobre hombre, el ingenuo, el idealista, para convertirse en un malvado de una crueldad tremenda, que vive su terrorífica existencia de la manera más simple y normal posible. Para él no existe el fin del mundo, porque cada día ya lo es.

Gassman, en un personaje prácticamente episódico, aparece y, nunca mejor dicho, desaparece. Jack Palance, Anouk Aime, Akim Tamiroff, Ernest Borgnine, Fernandel… ¡Domenico Modugno! (¡¡¡Volare!!!). Y hasta aparece nuestro Jaime de Mora y Aragón.  Y los habituales: Manfredi, Mangano, Rascel… y Franco Franchi y Ciccio Ingrassia… Lino Ventura… Ufff solo por ver a todos estos GRANDES INMORTALES ya vale la pena ver la película. Pero es que además es de las que se disfruta a cada momento.

A no perderse esta GRAN obra “menor” de un hombre todo terreno que sabía muy bien lo que se hacía.

TRAILER:

http://www.youtube.com/watch?v=sDZm6G7Vcb8

ORGULLO

ORGULLO 

(1955) Manuel Mur Oti

Historia de dos familias, los Mendoza y los Alzaga, enfrentadas durante generaciones por el agua de un río que separa sus fincas colindantes. Tras años de ausencia, Laura Mendoza regresa a casa y se enamora de Enrique de Alzaga. Cuando están a punto de casarse, resurge el problema de la sequía, lo que reaviva viejos rencores y hace estallar de nuevo la guerra entre las dos familias. (FILMAFFINITY)

Curioso el personaje de MANUEL MUR OTI, un director absolutamente olvidado de nuestra cinematografía, que en su corta carrera –solo 17 títulos en 26 años- realizo, escribió y creó una serie de films a cual más ambicioso, y cual más interesante. La labor de la Filmoteca, que es muy interesante, no se ve compensada con otra labor que debería acometer de una vez Televisión Española, y es la de ir mostrándonos la historia de nuestro cine desde la perspectiva de todo aquellos que hicieron películas que iban mas allá de lo simplemente folclórico o simplemente cómico, como se empeñan en demostrarnos en esa cosa llamada: CINE DE BARRIO. Porque en España había un cine que era algo más que el de Paco Martínez Soria, un cine valiente y transgresor, que sin embargo buscaba también la comercialidad y la complicidad del público.

ORGULLO es una muestra de un cine posibilista que nunca llegó a desarrollarse y que encontró en Mur Oti un autentico pionero. Dejadme de nuevo que sean otros los que cuenten mejor que yo, porque considero ORGULLO una joya desconocida de nuestro cine:

“Se me hace incomprensible que este peliculón haya pasado desapercibido en la historia del cine español. Y eso más allá de los gustos de cada cual. Porque no es precisamente ésta una producción modesta. Es bastante ambiciosa la película, y encima cumple. El género es extraño, hay que verla. Es una especie de western hispano con aires goyescos pero en pleno siglo XX. Historia de pasados y pasiones. De caciques orgullosos. De amos y siervos. De tierra y agua. De ganado y bestias. De garrotes y estacas. De la España negra y reseca. Tremenda. Encima la protagonista es una mujer, Laura Mendoza, una niña rica que vuelve de París para hacerse cargo de la finca de su madre. Bueno finca, eso parece una posesión medieval, un ducado por lo menos. Y se reencuentra con el pasado de la familia y su rivalidad con los terratenientes de enfrente, los Alzaga. A la manera de los Montescos y los Capuletos se desatan unas pasiones que contaminan a los siervos, que sumisos se alinean con las respectivas familias. Es de destacar el lenguaje de campo, bello y recio, que se utiliza en los diálogos. Y todos hablan con una dicción perfecta. La podría haber filmado perfectamente Ford o Wellman, pero no; firma Manuel Mur Oti, un olvidado vigués de vida pícara y apasionante que emigró a Cuba y volvió para desparramar su genialidad en obras como ésta. Hay escenas que realmente es de lo mejorcito que puede ver uno del cine español. Impresionante.” (Gilbert –Barcelona-)

“Que películas como  esta tengan la misma nota media que Torrente dice mucho sobre la cultura cinematográfica de este país de pandereta. Luego oímos los lamentos de la industria, cuando la política de subvenciones y la gestión del cine en la televisión pública vienen gangrenando al público desde hace más de una década. Lo que hay es desconocimiento del buen cine que tenemos y hemos tenido. Y si alguien me dice que aquí no sabemos hacer cine, le remito inmediatamente a esta película. Una superproducción (sí, aquí también hemos tenido de eso) rodada en los bellos parajes leoneses de Riaño (lugar que conozco por veranear muy cerca), con una exquisitez técnica e interpretativa pocas veces vista en la historia del cine español. De hecho, si no fuera por la fisonomía de los protagonistas, cualquiera diría que estaba rodada en Wisconsin. A los mandos tenemos a Mur Oti, un director que desde ya pasa a mi lista de cineastas a descubrir. Su despliegue técnico a lo largo de la película es sobrecogedor: primerísimos planos, picados, contrapicados, travellings horizontales... La fotografía es asimismo alucinante, destacando el juego de luces del final con la pareja abrazada, la llegada de los campesinos al lago o el rostro lloroso de la protagonista al descubrir que ha llegado "tarde" a casa. Interpretativamente, todos los actores brillan a una altura descomunal, tanto por dicción como por interpretación. ¡Qué manera de representar el odio la de Cándida Losada (la madre)! ¡Qué metamorfosis la de la hija pijilla (Marisa Prado) a mujer implacable! “ (Tantra)

“En el momento en que escribo este comentario, apenas 59 usuarios han votado esta película, circunstancia muy ilustrativa de uno de los mayores males del cine español, que no es otro que el desconocimiento. ¿Cómo justificar de lo contrario que un filme de la calidad de éste sea tan ignorado? Yo no me considero ni mucho menos un "conocedor" del cine español, pero hasta hace poco creía haber visto lo fundamental del mismo; sin embargo, desde hace un par de años, he descubierto películas fantásticas o cuando menos interesantes de las que ni siquiera había oído hablar, y que jamás había visto programadas en televisión.” (QuaterMain 80 –Madrid-)

“Partiendo de una historia tan antigua como la injusticia, como es el enfrentamiento entre dos familias (en este caso terratenientes ganaderos enfrentados por intereses que por atávico orgullo primaron sobre la proyectada boda de los padres de nuestros protagonistas), ambientada en la dura y negra España de la posguerra, localizada en un duro y árido (como el alma de sus gentes) pueblo castellano en el que el rio es fuente de vida y el enamoramiento entre los hijos de aquellos que dieron lugar a tan tensa situación (murieron empleados de ambas familias en el conflicto inicial defendiendo más que el honor de sus amos, la mano que los da de comer), ella, Laura (Marisa Prado), recién llegada de Paris a donde su madre Teresa (Cándida Losada), una dura y recia mujer que a la muerte de su marido se hizo cargo de la inmensa finca, la mando a cultivarse, y el, Enrique Alzaga (Alberto Ruschel), hijo del patriarca de la familia enemiga, Don Enrique (Enrique Diosdado), que lleva la finca junto a este. Con estos mimbres, el excelente director Manuel Mur Oti a través de su inconfundible y acertada mirada a la hora de retratar las ancestrales costumbres por las que se rigen la gente del campo, las cuales tienen para estos mas ascendiente que la más justa ley escrita por jurista alguno y a través de esos extraordinarios enfoques mezcla de expresionismo y neorrealismo (solo por la escena inicial en la que vemos a la madre esperando a la hija en el andén del tren mientras este se acerca soltando vapor hasta que llega a su altura y la envuelve con este sin que ella mude la expresión está justificada el visionado) repito, con estos mimbres tenemos como resultado una magnifico retrato de aquella España que tan bien nos describía Antonio Machado en “Campos de Castilla” (con unas escenas de la pelea entre las 2 facciones dignas de “Pelea de campesinos” de Goya), en la que a través de un excelente guion escrito por el mismo en colaboración con el mexicano exiliado en España, José Suárez Carreño (finalista y ganador del premio Nadal respectivamente, Oti con su única novela publicada, “Destino negro” y Carreño con “Las últimas horas”), un desarrollo de la trama en evidente y brillante clave de western (con escenas que te ponen los pelos como escarpias, sin ir más lejos el primer enfrentamiento entre los otrora novios y sus secuaces en la linde) unos magníficamente retratados paisajes (gran parte de la cinta está rodada en los Picos de Europa y en el antiguo pueblo leonés de Riaño, hoy sepultado bajo las aguas de un embalse y lugar de nacimiento de Imanol Arias) y un casting en estado de gracia (especialmente Cándida Losada y Marisa Prado que realizan unos de los mejores retratos de mujer dura y desgarrada que he visto en un pantalla), nos da como resultado una autentica obra de referencia. Absolutamente recomendable.” (Tiznao –Madrid-)

A todo esto solo me queda constatar lo realmente desconocido que es para muchísimos de los que se autodenominan cinéfilos, las mejores películas de nuestro país, que se alejan de los ya consabidos (y no por ello menos maravillosos) Berlanga, Bardem y Buñuel.

A verla sin falta y a disfrutarla como si fuera un John Ford o un Howard Hawks. Aunque quizás para llegar a la altura de estos maestros, para mi gusto, solo le falta un poco de sentido del humor… entonces ya seria perfecta.

Clip de la pelicula:

http://www.youtube.com/watch?v=EVjEBL5iZM4